Saint Motel siempre ha sabido construir mundos: canciones llenas de color, historias que se sienten como pequeños filmes y una identidad sonora que combina la diversión y la reflexión. Con álbumes hermanos —Symphony in the Sky y Afterglow— esa visión cinematográfica se expandió hacia algo más grande, más emocional, como una película llena de matices y reflexiones de nuestra propia existencia.  

Si Symphony in the Sky nació de la reflexión sobre la pérdida, las relaciones interpersonales y los cambios inevitables de la vida, la gira en la que se embarcaron terminó de transformar ese universo. Con nuevos arreglos e instrumentos en las canciones, estos momentos sobre el escenario les llevó a observar con más atención la reacción del público a esta nueva evolución de las canciones, regresando esa experiencia al estudio de grabación para Afterglow, un álbum que, entre cuerdas y sinfonías, suena aún más expansivo.

Cuando comenzamos a cuestionarnos el sentido de la vida y a reconocer lo efímera que es, los sonidos suelen volverse más grandiosos. Afterglow deja justamente esa sensación al terminar: una libertad luminosa que permanece. Ahora, en su primer capítulo como banda independiente y a punto de cerrar su gira en México este marzo, Saint Motel parece estar entrando en una etapa aún más emocionante. Y si algo han demostrado, es que cada cierre abre la puerta a un nuevo universo sonoro.

Estamos muy emocionados porque cerrarán el tour en México. ¿Qué sorpresas nos esperan para los últimos shows de Symphony in the Sky?

¿Además de retrasar las fechas un mes?… Estamos llevando la gira tan lejos como podemos. Tuvimos que pasar por todo el proceso de prueba y error para hacerla transportable cuando la llevamos a Australia, y creo que ahora lo tenemos bastante controlado, lo cual está muy bien. Así que llevaremos la sección de cuerdas y todo lo divertido que conlleva. Pero creo que una sorpresa en la que he estado pensando últimamente es que, dado que son las últimas fechas de la gira, quizá deberíamos regalar algo, ya que todos tenemos trajes a medida y otras cosas de la gira. Creo que deberíamos regalar algo cada noche, como un traje cada noche, quizás una de las batutas, porque yo dirijo con batuta. Así que creo que probablemente regalaremos algunas de estas cosas también, porque son las últimas actuaciones.

El lanzamiento de Symphony in the Sky parece haber sido solo el inicio de un largo camino en donde comenzaron la gira, compusieron un álbum en el proceso, lanzaron ese álbum y aquí siguen, uniendo estas nuevas canciones al tour. ¿Cómo esperan cerrar este capítulo?

Pensábamos que terminaría más o menos en San Valentín, coincidiendo con el primer aniversario del lanzamiento de Symphony in the Sky. Pero, como se han pospuesto las fechas de México, se está alargando un poco más. Pero creo que, en cierto modo, eso está bien, porque nos da más tiempo para saborear Afterglow, que salió hace solo un par de meses y es el complemento de Symphony in the Sky, y ambos funcionan muy bien juntos. Pero Afterglow es también un proyecto independiente, con su propia esencia dentro del mundo sinfónico en el que nos movemos ahora mismo. Así que nos da un poco más de tiempo para que tenga su propio momento.

Continuar el proceso de composición en medio de una gira también les permitió combinar los estímulos tanto del estudio como de la reacción de la audiencia en un show. He leído que definitivamente tuvo un impacto observar el recibimiento del público a los nuevos arreglos de las canciones de Symphony in the Sky. ¿Cómo afectó esta experiencia al proceso creativo de Afterglow y qué se llevan como enseñanza para futuros proyectos?

Es difícil, es como el huevo y la gallina. Quieres tener la experiencia de tocarlas en directo para que se consoliden y mejoren, pero la gente que viene a ver el concierto no necesariamente está ahí para que experimentes con cosas nuevas. Así que tienes que mezclarlo de una manera que resulte divertido y que encaje. También es genial porque, a veces, tocamos canciones en vivo y aprendemos qué se puede mejorar. Y, a veces, eso se refleja en el disco. Otras veces, vas al concierto y nos ves tocar una canción en vivo que nunca volveremos a tocar porque no funciona. Y eso es algo único a su manera.

Cuando empezamos como banda, no teníamos acceso a un estudio de grabación. Fue antes de que yo produjera a la banda y realmente no sabíamos nada de eso. Así que tocábamos las canciones en directo durante meses y meses y meses, y tan pronto como teníamos la oportunidad de entrar en algún sitio, íbamos y las grabábamos todas. Así que Foreplay, nuestro primer EP, tiene un sonido más en directo porque tuvimos esa ventaja. En este momento es un poco como lo del huevo y la gallina. Pero diré que hemos estado hablando mucho de eso para el próximo proyecto y tratando de encontrar formas de hacer algunos experimentos antes de que todo esté terminado, en un entorno en vivo. Así que, si estás en Los Ángeles, tal vez puedas pasarte; podríamos hacer una pequeña visita secreta al estudio o tal vez hagamos un pequeño espectáculo pop-up o una sesión de DJ o algo así.

Pero creo que interpretar esa energía en directo es muy importante y es algo difícil de hacer en esta etapa de la música y la producción. Es la forma en que las bandas lo han hecho durante muchas, muchas décadas. Así que no sé, sin duda hay algo que decir al respecto.

Finalmente, esa es la forma más real de saber que la música está conectando con la gente: el poder ver las reacciones en vivo. Es inevitable…

Sí, por supuesto. Y también hay cosas que, cuando tocas en directo, haces de forma natural en el escenario porque es una parte diferente de tu cerebro que no usarías en el estudio. Y entonces piensas: «Dios mío, habría sido muy divertido incluir eso en el disco, ya sabes, grabarlo en casa». Creo que habría sido divertido incluir la sección de trompetas que no grabamos, pero lo hacemos en vivo y es muy divertido.

“La vida es muy entretenida”, tocamos esa canción en vivo y hay una sección de solo muy divertida que se superpone, es genial, y eso, ya sabes, cambia cada noche. Pero sí, hay ciertas partes de tu cerebro que están vivas, que son instintivas y casi primitivas. Tienes tanta adrenalina corriendo por tu cuerpo y simplemente viene de un lugar diferente.

Luego, en el estudio todo es más reflexivo y más de prueba y error, más delicado. Así que hay dos mundos diferentes en tu mente creativa que son divertidos de explorar y ver quién gana.

Entre el lanzamiento de sus álbumes pasados siempre había años de por medio, y este proceso fue muy rápido. ¿Qué papel jugó el tiempo en Afterglow? ¿Crees que tal vez se permitieron más espacio para que las canciones fueran menos detalladas o perfectas?

Con Afterglow fue emocionante y muy rápido, en parte porque ya habíamos hecho muchas cosas con Symphony in the Sky. Fue un reto creativo divertido porque al principio solo pensábamos en hacer una versión deluxe de Symphony in the Sky con una o dos canciones más, pero eran tantas que no habíamos tenido oportunidad de terminarlas. Así que en mayo o junio tuvimos un descanso de la gira y, en ese momento, pensé: «Vaya, sí, podríamos hacerlo». Pero a finales de julio pensé: «Dios mío, no sé si podremos hacerlo». Ya sabes, entonces pasó. Pasó de ser algo así como «vamos muy rápido» a que teníamos el 95 % listo. Una vez terminadas las canciones, el último 5 % es terriblemente lento. Y entonces se trata simplemente de revisar todo lo que tienes, reorganizarlo de forma diferente y probar cosas distintas. Quizá una letra no es lo que estoy tratando de decir y vuelves a revisarlo todo. Esa es la parte insoportable. Pero, por suerte, teníamos una fecha límite. Queríamos sacarlo antes de empezar la tercera parte de la gira.

Era como un reloj que nos empujaba a seguir adelante. Al final fue muy intenso terminarlo, pero estoy muy contento con cómo quedó todo. Creo que la última canción que realmente aprobamos fue “Let Me Down Gently”. Entonces pensaba: «Oh, quizá debería reinterpretarlo todo», y al mismo tiempo me convencía de que era momento de parar.

Como creativo, debe ser difícil saber cuándo es momento de aceptar el resultado y dejarlo ir, ¿no?

Lo difícil es ese último detalle, porque este lo he producido yo mismo. Cuando trabajo con otra persona es un poco más fácil porque no tengo los archivos delante, lo cual es bueno y malo. Les resulta más fácil terminarlo porque estos productores suelen tener otros proyectos a los que moverse después, entonces literalmente deben hacerlo.

Pero entonces no consigues canciones como “Low Earth Orbit” y otras que son un poco más raras y complicadas. Y luego canciones en las que simplemente cortas coros enteros y cambias las estructuras por completo, como Afterglow. Hubo mucha experimentación en ese sentido, como “Peace and Love n Anarchy” y “Hold My Breath”. Y hay muchos momentos en donde piensas en moverlo todo. Así que producir te da herramientas para experimentar más, lo que creo que al final es mejor para un álbum. Quizás, si solo estás haciendo sencillos, no lo sea, pero cuando realmente intentas meterte en ello, hacer que todo sea una experiencia, es agradable.

Escuchar Afterglow de principio a fin me dejó esta sensación de libertad y expansión, de ver la vida desde una perspectiva más grande y efímera. ¿Qué preguntas crees que tal vez intentabas responderte acerca de la impermanencia de la vida cuando escribiste estas canciones?

Los dos álbumes son un poco diferentes entre sí. Creo que Symphony in the Sky estaba más influenciado por cambios personales a menor escala: perder a seres queridos y familiares, tener una nueva vida, mudarse de ciudad, incendios y cosas así. A nivel personal, estos grandes cambios en la vida. Y eso es lo que creo que hizo el álbum.

Mientras que Afterglow, algunas de las canciones que no estaban terminadas y algunas de las que se escribieron durante y para ese álbum, creo que están más alejadas y miran al mundo en sí mismo, y tienen el mismo tipo de sensación de cambio e impermanencia, y cómo hay un elemento natural en todo ello. Hay una belleza en ello y es necesario que suceda. Se necesita el ciclo de vida de estas cosas para que crezcan y prosperen, pero también para sentir que las cosas están en llamas.

Y creo que Afterglow trata sobre la impermanencia humana a una escala mayor. Y creo que la forma en que Symphony in the Sky terminó encaja muy bien con Afterglow. Y creo que el final de Afterglow encaja muy bien con el rumbo que estamos tomando.

Espero que la nueva música ya se sienta así. Los dos últimos álbumes se han sentido más personales y emocionales, y han reflejado grandes momentos de la vida. Creo que, durante ese proceso, las canciones que escribí no encajaban necesariamente con ese ambiente, ya que quizá eran un poco más irónicas o, ya sabes, divertidas o caprichosas, o simplemente un poco mordaces en cierto modo. No parecían encajar en ese mundo. Todo eso está saliendo a la luz ahora y siento que hay un cambio de ambiente diferente que viene con el próximo álbum, y eso también me emociona. Creo que simplemente estos álbumes fueron el espíritu de la época en la que yo estaba, en la que estaba la banda y en la que sentía que estaba el mundo en ese momento.

Hace unos años, la música con la que conocimos a Saint Motel se sentía justamente más extrovertida, como pequeños cortometrajes o historias cortas llenas de color e historias divertidas. Estos dos álbumes son como una gran película llena de sentido y profundidad. ¿Cómo influye tu formación en cine a la hora de componer nueva música? ¿Piensas como un cineasta a la hora de componer todo un universo musical?

Sí, eso creo. En cierto modo, cuando escribes una canción hay aspectos similares a los de una historia, como en una estructura de guion de tres u ocho actos. Tienes la introducción, donde presentas el ambiente y el concepto; son muy similares. Y luego muestras tu mundo y llegas al estribillo, que es una especie de solución, pero no del todo. Llegas al segundo verso, donde algo ha cambiado, pero sigues en ese mundo. Tal vez el segundo estribillo esté por ahí, y el puente lo cambia todo y lo altera por un momento, hasta que vuelves al gran final, donde todo parece encajar en el lugar donde estabas al principio, con tus nuevos conocimientos.

Y eso no quiere decir que sea la estructura que siempre seguimos, pero es como si hubiera una estructura tradicional en la canción pop que sigue una narrativa tradicional como la de una película. Pero, al crear el mundo del álbum, eso es absolutamente lo que se siente. También necesita tener un componente visual. Como tantas bandas que vi al crecer, no solo había música, sino que tenían un ambiente que encajaba muy bien y se preocupaban por cuidar sus videos musicales, cuando los videos musicales eran más fáciles y accesibles, supongo.

Creo que el mundo que creas con cada álbum es con el que luego sales de gira. Sin duda, ha sido una parte importante de esta banda.

Cuando anunciaron Saint Motel Studios, lo hicieron con esta idea de revolucionar cómo se hace y se lanza la música, el poder crear un mundo en una sola canción y entregarlo al público. Ahora que mencionas la creación de mundos completos en álbumes, ¿aún comparten esa idea? ¿Qué tan importante sigue siendo para ustedes la construcción de un material discográfico completo cada vez?

Saint Motel Studios es básicamente cómo comenzó Symphony in the Sky en sus inicios. Sacamos “Everyone’s a Guru Now” sin tener en mente un álbum. Y en esa misma estructura de Motel Studios íbamos a lanzarlo como si fuera un estudio de cine y tener algo constante en marcha. Pero la discográfica con la que estábamos no lo hizo. Después de un año pensamos: «No, esto tiene que ser un álbum». Y así es como lo convertimos en Symphony in the Sky.

Veo las ventajas y desventajas de ambas cosas. Creo que, en este momento, después de hacer Saint Motel Studios, Symphony in the Sky y luego Afterglow, todos estamos deseando que el próximo proyecto sea el lanzamiento de un álbum.

Hay algo genial en sacar las canciones a medida que van surgiendo, pero creo que hay algo más especial cuando se trata de la experiencia de un álbum. Y esa es nuestra experiencia.

Hicimos Saint Motel Studios, pero el EP My Type; sacamos esas canciones individualmente y tampoco iban a ser un álbum. Eso fue hace una década. Cuando firmamos contrato, nos hicieron recopilar esas canciones en un EP y después pasamos a hacer álbumes. Creo que lo que más se echa de menos cuando se publican como sencillos es la construcción del mundo y la oportunidad de inventar un nuevo telón de fondo creativo para la música. Simplemente lo convierte en una experiencia más profunda porque escuchas una canción de un artista del que nunca has oído hablar: no sabes cuál es su estilo, no sabes cómo es su mundo, no sabes cómo son sus videos musicales. Y no te importa. Lo más importante siempre es la música. Pero una vez que te adentras en ese mundo y te involucras con ese artista, lo que construye creativamente sí importa. Y creo que es como un elemento extra divertido.

Si veo una película y me deja alucinado, investigo sobre el director y veo todas sus otras obras y otras cosas que han publicado sobre el detrás de cámaras; tal vez leo el guion y solo quiero sumergirme en eso porque hay una cierta sensación que me transmite esa obra y quiero seguir profundizando en ella, persiguiendo más y construyendo el mundo. Cuando tienes un álbum que te hace sentir eso, le das más oportunidades. Así que alguien que quiera profundizar más puede hacerlo.

En esta era de la música, a veces esos lanzamientos fugaces pueden hacer que la música se olvide igual de rápido si no conectas con el artista. Como banda, han estado activos durante varios años y han visto la industria cambiar. ¿Creen que el foco se ha movido un poco hacia la marca personal de un artista y la construcción que se hace en redes, en lugar de lo que verdaderamente debería importar: la música?

Lo puedo ver: alguien que primero crea su imagen o marca y luego saca la música. Es una forma de hacerlo un poco extraña para nosotros, porque la forma en que crecimos con la música, las bandas, los álbumes y los conciertos parece ser, ya sabes, a lo que estamos acostumbrados. Lo entiendo, ya sabes, cómo hacer crecer primero la audiencia por cualquier medio, quizá haciendo videos divertidos y luego etiquetando tu música en ellos o algo así. Y poco a poco la gente pensará: «Oh, me gusta su personalidad. Veamos cómo es su música». Y eso también parece funcionar para la gente. No hay una forma correcta o incorrecta de hacerlo y siempre habrá nuevas herramientas para llegar a la gente, nuevas herramientas para probar cosas.

Al final del día, alguien en esa situación puede ser músico, pero también puede ser actor, intérprete, comediante o creador de contenido. Sea cual sea la forma de arte, si es música, es la música la que siempre lidera. Podrías tener el video musical más genial de la historia y una canción que simplemente no lo es, o puedes ser un gran bailarín; son formas de expresión diferentes.

Afterglow también es el primer álbum que estrenan como independientes. Con esta nueva libertad creativa y de toma de decisiones, me imagino que también hay nuevos retos. ¿Cómo se sienten al respecto y cuál fue el mayor reto al no tener opiniones externas por primera vez?

Es genial. Creo que ahora que tenemos más control sobre todo, tenemos que aprender más sobre todo tipo de cosas e involucrarnos más en ellas, lo cual es una gran libertad.

Pero es algo que llevábamos mucho tiempo esperando. Diferentes situaciones tienen sentido en diferentes momentos para distintos artistas. Definitivamente hay una chispa renovada una vez que tienes cierta libertad para probar cosas nuevas. Y todavía la seguimos sintiendo ahora mismo. Así que ha sido genial, increíble.

Tras todos estos años innovando y transformándose, como creativo, ¿cómo mantienes el impulso de continuar haciendo cosas nuevas sin esa sensación de repetición?

Creo que lo más importante —y esto ha sido así desde que tenía siete años y empezaba a hacer música— es que para mí escribir es como resolver un misterio, porque no sabes adónde vas ni por qué vas allí. Pero hay ciertas cosas en el camino que te hacen sentir bien y siempre hay ese tipo de emoción para mí, y siento que si pierdo eso probablemente perderé las ganas de seguir componiendo. Pero es igual de emocionante, si no más, que cuando tenía siete años. Ahora tengo más herramientas e instrumentos y un poco más de conocimiento sobre cómo hacer las cosas. Todavía no soy un gran productor ni músico, diría yo, pero lo he intentado.

También está el intento de mejorar y la diversión de escribir la canción. Cada vez que me acerco a un álbum o nos acercamos a un álbum, siempre intentamos que sea lo mejor que hemos hecho nunca, lo que nos empuja a ello. Y eso, creo, siempre será así para todos los álbumes que hagamos. No hacemos cosas solo para pasar el tiempo. Realmente intentamos hacer lo mejor que podemos. Eso es lo que lo mantiene emocionante.

Mencionaste que ya están pensando en el siguiente proyecto. ¿Qué nuevas ideas puedes compartirnos acerca de lo que viene para Saint Motel?

Tenemos una idea bastante buena para el primer paso y ya estamos en esa fase de empezar a llevarla a cabo, lo cual es emocionante. Y sí, puede que hagamos algo interesante con la forma en que la lancemos esta vez.

Creo que el siguiente capítulo ya se está gestando. No quiero decir demasiado porque todavía estamos en una fase muy incipiente. Va a ser divertido. Es todo lo que puedo decir.

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