Miami Horror fue furor en la época de Tumblr, a la par de artistas como Daft Punk o MGMT. Este dúo electropop de Melbourne, Australia, liderado por Benjamin Plant y Daniel Whitechurch conquistó nuestros corazones alternativos en 2010 con su primer álbum, Illumination, y de nuevo en 2015 con su siguiente trabajo All Possible Futures. 

Después de algunos remixes y sencillos esporádicos se mantuvieron en las sombras, dejándonos con nostalgia y ganas de más. Afortunadamente, este año decidieron romper su silencio y volver con fuerza. Comenzaron a dar señales de vida en septiembre de 2024 con una serie de sencillos: ‘TOGETHER’, ‘(BEYOND US)’, ‘AURORA/DEAD FLOWERS’, ‘LOST SEASONS’, ‘REMEMBER’ y ‘GLOWIN’’. Finalmente, después de nueve años lanzaron su esperado tercer trabajo We Always Had Tomorrow, disponible en plataformas de streaming desde el 28 de febrero.

Este nuevo álbum es muy introspectivo, en sus múltiples pistas reflexiona sobre la experiencia humana y sus variados aspectos, como la infancia, el pasaje por las diferentes etapas de la vida, los ciclos y el poder que tiene la música de conectarnos genuinamente. En cuanto al sonido, es digno del icónico indie sleaze: tiene muchas referencias y samples de soul de los ‘60 y algo de disco de los ‘70 encontrándose con sonidos atmosféricos más modernos y de actualidad. Destacan las distintas técnicas modernas de sample y también la creación de samples propios. No solo transmite su narrativa continua de reflexión e inmersión ambiental, también toca en la nostalgia y en la energía para bailar. 

Desde Worked Music hablamos con Benjamin Plant sobre este esperado regreso, el proceso detrás del álbum y lo que se viene para Miami Horror. 

¡Felicitaciones por el nuevo álbum, We Always Had Tomorrow! Es el primer trabajo en casi una década. ¿Cómo cambió su visión desde entonces? ¿Qué los motivó a hacer un comeback con este concepto?

Por el 2020 vivimos el encierro por el COVID, obviamente, y eso reseteó nuestro pensamiento sobre qué es importante en la vida. De repente perdimos las tendencias, bienes de lujo y las cosas triviales y superficiales. También sobre esa época estaba viendo el show de TV Chef’s Table, que cuenta la historia de chefs de alrededor del mundo, y la cuentan en una manera hermosa donde exploran su infancia y crecimiento y cómo los influyó a cocinar como lo hacen. Y me recordó en ese momento que eso es lo que la música y el arte deberían ser, algo menos superficial y más así. Eso me impactó, y al mismo tiempo estaba aprendiendo a tocar el piano, así que se me ocurrieron acordes emotivos. Esas tres cosas vinieron juntas y fue como “Bueno, vamos a hacer algo que realmente signifique algo para nosotros y abarque todo lo que aprendimos e hicimos, y lo que tenemos para decir”. 

Mencionaste que aprendiste a tocar el piano en la cuarentena, ¿cómo se refleja esto en el proceso de composición y producción?

Gran parte de esto empezó con el piano, una vez que rompí la barrera de aprendizaje para crear los acordes que me gustan. Es una locura que pasaran tantos años antes de que hiciera ese esfuerzo. Antes tenía una mentalidad muy anti aprendizaje porque había tocado la guitarra cuando era adolescente, y apenas aprendí a tocarla correctamente dejé de ser tan creativo. Estaba tocando acordes genéricos y tal. Así que no quería aprender piano, pero cuando eventualmente lo hice empezó todo este proceso y pensé “ahora sé exactamente cómo crear la emoción que me gusta”, y para algunas de las canciones del álbum tuvimos los acordes por tres años antes de convertirlos en canción. Fue como armar las piezas de un rompecabezas y unirlas lentamente. Una manera muy metódica de hacer un álbum. 

¿Encontrás más fácil o dinámico el proceso al componer con un piano que con una guitarra?

Supongo que es más fácil componer con las habilidades del piano. No toco mucho la guitarra, sólo cosas básicas. Siempre hice música en la computadora, programando cosas en la computadora y tal, pero esto sin dudas abrió las puertas para empezar con una base emotiva y sentida. Creo que la gran diferencia está en que cuando tocás un sintetizador o algo con MIDI tiene un ligero retraso, no estás conectado en un loop perfecto con feedback. Tiene un retraso que te hace sentir secundario. Pero cuando toqué el piano sentí que era directo, como si la emoción saliera de mí, y esa fue una experiencia genial porque nunca lo había hecho, y me permitió realmente conectar. Para bien o para mal, te hace pensar que estás haciendo mejores cosas porque lo sentís más íntimamente. Y como tenés esa profundidad, te abre la puerta a hacer cosas más profundas. 

Respecto al single GLOWIN’, ¿qué los hizo crear sus propios samples en lugar de hacer un sampleo común?

De la misma manera que escribimos casi todas las canciones en el disco, es como de una o dos maneras. O sampleamos algo como en ‘Holidays’ o ‘I Look to You’, nuestras canciones viejas, o hacemos algo desde cero, como en ‘Sometimes’ o ‘Moon Theory’. Con ‘GLOWIN’’ fue uno de esos intermedios. Habíamos escuchado mucho soul, teníamos estos loops y notamos que había muchas progresiones de acordes consistentes y cosas así. Y entonces pudimos hacerlo nosotros mismos. 

Como ya dijimos, We Always Had Tomorrow es un álbum muy introspectivo, creado en un contexto de mucha reflexión, pero ¿cómo fue el proceso creativo?

Como ya lo mencioné antes, fue bastante metódico. Empecé con los acordes, y también tenía una gran lista de cosas que fui construyendo despacio y que quería decir, por ejemplo, teníamos los temas o las emociones que queríamos explorar, y luego, de a poco se convirtió en las películas a las que hacíamos referencias, después en fragmentos como frases sueltas y cosas que encapsulan la idea detrás del álbum. Por ejemplo, en los interludios tomamos cuatro o cinco ideas y conceptos de varias películas, y en lugar de hacer cuatro o cinco interludios, los pusimos a todos en uno. Y en cada uno pudimos decir mucho antes de meternos en las canciones. 

Eso fue solo un ejemplo de esta lista enorme y cómo la fuimos uniendo. Entonces: acordes, dichos, letras, temas, ideas, y luego fuimos armando el puzzle de a poco. 

¿Recordás algún desafío particular que se haya dado en el proceso?

Lo más difícil en general con este tipo de proyecto son las voces. Podríamos hacer música que suene increíble, con todos estos sonidos y emociones hermosas. Y luego, la parte más difícil es comprometerse a agregar algo a eso. Porque una vez que agregás algo a eso, ya no tiene el potencial. Es como que tenés el potencial en tu cabeza cuando es solo instrumental y necesitás asegurarte de que la voz que sumes a eso no lo quite. Hacer una voz es una decisión muy difícil de tomar, eso es lo que nos tomó mucho tiempo, no tener la capacidad de comprometernos a trabajar con un vocalista particular o algo así. 

¿Cómo eligieron a los vocalistas y músicos que colaboraron en el álbum?

Algunos de ellos eran escritores con los que estábamos trabajando, y algunos eran amigos. Se basó en lo que sentimos que estaba bien para cada canción. Muchas veces cuando la gente hace colaboraciones se enfocan en si será una buena idea colaborar con tal o cual persona, pero nosotros no lo pensamos de esa forma, solo intentábamos completar la imagen del álbum. 

Respecto a la canción ‘AURORA/DEAD FLOWERS’, esta canción sobre el ciclo de la vida se divide entre comienzos y finales. ¿Cómo fue transportar este concepto a lo musical?

Creo que la introducción suena como el principio de algo. Va creciendo y construyéndose, y sin embargo, la forma en la que la canción progresa es muy lineal, no es para nada como una canción normal. Originalmente iba a ser como… si lo pensás como reproducir un CD, la primera mitad es el track 1 y la segunda mitad el track 2. Iba a ser una cosa continua con una división en el medio, pero por las plataformas de streaming pensamos que sería mejor unirlas. Creo que es lineal en su progresión, es épica, va creciendo y luego vuelve a caer. Representa la vida de alguna manera. 

Hace una semana del lanzamiento, ¿cómo ha sido todo desde entonces? ¿Están contentos de haber vuelto al ruedo?

¡Sí, claro! Por la forma en la que hemos lanzado el álbum poco a poco con todos los sencillos, la emoción se extendió un poco, pero creo que se siente bien que ya esté todo afuera. Creo que la gente va a ver la razón por la que decimos que es más importante escuchar el álbum completo en vez de solo los singles. Eso es lo que me entusiasma de que ya haya salido, la gente puede adentrarse en este viaje. Creo que hoy en día la gente no escucha los álbumes y tienen una vida útil más corta, que es una parte triste de la era del streaming. Así que realmente espero ver que a la gente le guste, porque hicimos mucho trabajo para llegar a la profundidad y el concepto que les gusta. Puede ser algo con lo que la gente conecte por un buen tiempo, por fuera de las tendencias. 

¿Cómo imaginan la evolución de su música después de We Always Had Tomorrow ahora que conocen la respuesta del público? 

Todavía no lo sabemos, sinceramente. Tenemos que tomarnos más tiempo para verlo. Yo diría que la gente, en el buen sentido, no siempre es honesta. A algunos fans podría no gustarles algo pero no te lo van a decir, y lo prefiero así, porque al final del día no tiene sentido decirle a un artista que no te gusta su nueva música. No aporta nada, pero creo que queremos ver cómo es recibido. De todas formas, estamos felices haciendo música para nosotros, este proyecto era un poco para esto. En este álbum corrimos riesgos para que tuviera un sonido más de la era indie, que no es realmente lo que se está haciendo. Lo mismo con algunas de las canciones más jugadas y divertidas. Son riesgos, no tenemos forma de saber cómo los interpretará la gente porque no es exactamente como otros artistas hacen estas cosas ahora. Así que no sé, puede que volvamos a las tendencias o sigamos haciendo esto. Vamos a ver qué pasa. 

¿Cuáles son sus planes para el 2025 luego de este lanzamiento? ¿Quizás un tour? ¿Seguirán componiendo? ¿Hay algo más que estén planeando o soñando con hacer?

Sí. Para mí la parte más emocionante es que este álbum llevó mucho tiempo y trabajo y fue hecho en un período más largo, así que no vamos a empezar otro álbum de inmediato. En realidad nos gustaría ampliar este, tenemos varias canciones más que no fueron incluídas, así que haremos una edición extendida. Haremos algunas versiones alternativas, como por ejemplo de la canción ‘REMEMBER’. Siempre tuve miedo o pensé que al público podría no gustarle el estilo de voz con autotune a lo Daft Punk en esa canción, pero la música era buena. Esto se relaciona a lo que decía antes sobre no estar seguros de las voces, pero por eso quisimos hacer la versión alternativa donde era una versión disco de los ‘70 de ‘REMEMBER’. Estamos jugando con estas alternativas y expandir el álbum, diría que el año que viene. 

¿Creen que les gustaría seguir explorando esta combinación de sonidos de los ‘60 y la actualidad, o planean seguir adelante con un sonido diferente?

Diría que sí, obviamente no es solo de los ‘60. Tomamos mucha influencia de todas las épocas. Probablemente no mucha gente hace esto en el sonido de un álbum, pero tendemos a saltar mucho de un lado a otro y nos gusta. Tenemos cosas de la era indie, tenemos cosas de los ‘70, varios tipos de cosas. Tenemos un poco de influencia del soul de los ‘60 y hasta house francés y disco del principio de los 2000. Creo que siempre nos encanta mirar para atrás porque se siente como si estuvieras tomando una decisión del pasado, que ya está casi aprobada. No solemos ser demasiado futuristas con nuestra música, nos gusta hacer las cosas un poco más clásicas.