El músico y productor inglés, Joe Goddard, también conocido por ser integrante de Hot Chip, presenta su tercer álbum solista titulado “Harmonics”. A través de catorce canciones en las que colaboran distintos artistas y cantantes de diferentes géneros como Eno Williams del grupo Ibibio Sound Machine, Barrie, Hayden Thorpe, Alabaster DePlume, y sus mismos compañeros de banda, Alex Taylor y Al Douyle, Goddard constituye un álbum variado en el que los beats del house, afro-house y synth pop tienen protagonismo.

Con este álbum, Goddard pretendió deslindarse de las exigencias mentales y tendencias comerciales que limitan la creatividad. En cambio, la diversidad de este disco fluye como si se tratase de un universo en sí mismo, una unidad en la que el trabajo colaborativo y el monólogo interno ininterrumpido son los motores que revelan la pasión por crear y producir música. 

Este entusiasmo lo comunica el productor inglés en esta conversación, en la que manifiesta su interés por las texturas sonoras, las máscaras de su voz y la magia de trabajar en conjunto con artistas que comparten su misma pasión al quehacer musical.   

En esta entrevista hablaremos de tu nuevo álbum titulado “Harmonics” que se lanzó el 12 de julio de este año. Leí que el “ethos” de este disco es “divorciarse de la mente consciente durante el proceso del quehacer musical”. ¿Qué tan diferente fue tu acercamiento creativo en este disco en comparación con tus álbumes anteriores y cuáles fueron las implicaciones de no estar tan consciente o no ser tan estricto con el proceso? 

En los últimos años, al hacer música de Hot Chip u otra música he tratado de ser más intuitivo, de seguir mis corazonadas sobre la música y eso fue lo que traté de impulsar con este disco en específico. Con ejemplos concretos, no sobre pensar o dudar en los arreglos o no tratar de que una canción encaje en tendencias comerciales, ya que he trabajado como productor para otros artistas y he visto cómo una banda se quiebra en el estudio al querer que sus canciones se escuchen atractivas para el público. Si piensas demasiado en lo que dirán los demás, puede ser muy malo para tus canciones. Si te adelantas a pensar en lo que le gustará a la gente, forzarás a que tu música vaya en una dirección que no es tan interesante. En cambio, si escuchas a tu voz interior, tu música fluirá de una forma natural. Eso fue una especie de mantra que tuve en mente para el disco. Todas las canciones están terminadas lo más parecidas a lo que mi intuición me dictaba: la duración, cómo suena el coro, cosas de ese estilo que a veces te guías más por motivos comerciales. 

Escuchaste lo que las canciones necesitaban. Por otra parte, este es un disco en solitario, pero en esencia no lo es porque colaboraste con muchos artistas increíbles que no sólo brindaron sus voces y letras a las canciones, sino también sus instrumentos. Desde el ángulo de la mezcla musical, ¿te enfrentaste con retos particulares al mezclar todas las capas de sonido y en qué te concentraste para acentuar alguna característica, color o género para cada canción? 

Fue un proceso complicado el mezclar el álbum porque suceden muchas cosas en las canciones y, a pesar de que quería representar muchos géneros musicales, deseaba que el disco se sintiera como una sola pieza. Tuve que pensar y escuchar muchas veces las canciones, hay mucho trabajo detrás, como el cambiar de arreglos hasta sentir una unidad. Me tomó mucho tiempo, se podría decir que es una labor de amor, pero realmente amo producir y me obsesiono con el proceso. Tengo en mente la idea de seguir mi corazón en lugar de tomar un giro comercial, por lo que produzco diferentes mezclas de cada canción. Sin embargo, con las canciones de este álbum llegué a un lugar confortable que me hizo muy feliz. 

A lo largo del disco escuché muchas texturas sonoras que tenían un valor narrativo en canciones como ‘Miles Away’. En ésta, había un efecto que se asemeja al viento que sopla en el viaje de este personaje que está en busca de su hogar (la letra en la canción “I’m on my way back home”) ¿Podrías hablar de estas texturas que parecen estar bajo la superficie, pero en realidad añaden un significado narrativo a las canciones? 

Eso es un punto interesante. Sí hago eso en mis canciones, utilizo mucho sonidos naturales como el canto de pájaros, o como dijiste el soplo del viento o sonido blanco. Cuando viajo alrededor del mundo o cuando estoy en tour hago grabaciones del “ruido” de diferentes países y después las uso en mis canciones como sonido de fondo. Es una manera subliminal de añadir significado o simplemente de agregar un detalle psicodélico a la mezcla. Estoy muy interesado en poner muchas capas de sonido que provienen de paisajes naturales y al hacerlo, deseo que cree algo en la experiencia del que escucha. Me encantaría que sea una experiencia satisfactoria y placentera cuando escuchas una canción con audífonos. Una gran parte de este proceso de producción musical es hacer ese tipo de cosas, de jugar con las texturas. 

Tomas estas grabaciones de campo y las conviertes en otra cosa. Las canciones en las que tú eres la voz principal como ‘Follow You’, ‘On My Mind’ y ‘Out At Night’, las considero las más reflexivas. Cuando oyes tu voz en las canciones, ¿usualmente modificas tu voz o le añades distorsión para, quizá, crear una representación de esa voz en tu cabeza? ¿Crees que también se debe por el estilo de escritura de “flujo de consciencia”?

Sí modifico mi voz. Frecuentemente juego con el sonido de mi voz; le agrego autotune, cambio el timbre, o pongo un efecto para que suene mucho más onírica e inusual. Creo que lo hago porque a veces me disgusta la forma en la que canto y es por eso que quiero disfrazarla, ponerle una máscara o simplemente hacerla mucho más interesante. Hay muchas razones para hacer eso, en esa canción que comentaste, ‘Out At Night’, quería que mi voz se sintiera robótica, fría y oscura así que usé autotune. Hay muchas técnicas y efectos que uso en distintas situaciones, pero es más sobre explorar vocales que me parecen interesantes. 

Y es una buena forma para que te reconcilies con tu voz. Has descrito antes a tu álbum como “inclusivo” y cabe esta reflexión de que las divisiones son una carga pesada en la sociedad hoy en día. Así que quería preguntarte ¿en qué sentido este álbum, “Harmonics”, es inclusivo? 

En el sentido que colaboro con muchos artistas y quería que esas colaboraciones fueran armónicas. En el arte es una bonita idea pensar en un grupo de personas que trabajan juntas para crear algo, sobre todo en un tiempo cuando hay muchas divisiones como distintas facciones políticas en todos los países y hablo personalmente del Reino Unido. En general, creo que el arte tiene esa cualidad de juntar a las personas para colaborar y crear algo. Por ejemplo, escuchar una orquesta tocando es ese tipo de cosas deberíamos apreciar.

Tienes razón, en el mundo hay diferentes puntos de vista, pero la música puede unificar de alguna manera. En este álbum colaboraste con tus compañeros de banda, Alexis Taylor y Al Doyle, ¿qué tan diferente fue grabar una canción para tu álbum en solitario que hacerlo para una canción de Hot Chip? 

El proceso es muy similar. Usualmente, para una canción de Hot Chip yo comienzo con un demo instrumental y se los enseño a los demás para que puedan agregar sus ideas y acabarla juntos. Cuando se trata de una canción para mi álbum, las decisiones creativas al final me tocan a mí. En cierto sentido es mucho más difícil porque toda la responsabilidad queda en ti como decisiones sobre la mezcla o los arreglos, pero al mismo tiempo, es un proceso muy satisfactorio el ser la persona que está a cargo del sonido y el sentimiento global de la música. Es algo que disfruto mucho después de superar todos esos retos y tener tu disco acabado, sintiendo que lograste plasmar todo lo que querías de manera exitosa. 

Se convierten en decisiones personales que crean un sentido de pertenencia a tu álbum. Finalmente, la letra de la canción ‘Moments Die’ está basada en un libro de John Berger (Y nuestros rostros, mi vida, breve como fotos) y ésta se refiere a capturar instantes transitorios. Incluso en el video musical hay fotografías que parecen ser una prueba material de estos momentos efímeros. Al relacionarlo con la música, ésta es un arte que gira en torno al tiempo. ¿Qué momentos quisiste capturar en tu álbum “Harmonics” y crees que este disco es un rastro de tu existencia en el tiempo y el espacio? 

En un sentido práctico, realmente amo estos momentos en los que hago música. Me da mucha satisfacción el proceso del quehacer musical. Lo que quise capturar eran esos instantes de creación, de estar en el estudio con gente maravillosa o simplemente el verme a mí perdido en el flujo de la grabación de algún instrumento o trabajando con un sintetizador. Amo pasar mi tiempo componiendo y esos recuerdos son los motores que me hacen continuar creando. De igual manera, trabajé con gente increíble con la que hice recuerdos muy memorables al grabar estas canciones. Lo que más disfruto en la vida es tener este trabajo. 

Escucha el álbum “Harmonics” a continuación: