La pandemia fue un tiempo difícil; el mundo se detuvo y nos apartó de esa normalidad que conocíamos y dábamos por sentado. Sin embargo, en esa soledad e incertidumbre del futuro también existía un pequeño espacio para que algunas personas pudieran encontrar un destello para redescubrirse y emprender una travesía artística.

Al menos así comenzó la carrera de Aidan Bissett, un joven artista que se instruyó sobre producción musical durante la pandemia y encontró en TikTok una plataforma para expresarse sobre sus relaciones fallidas y los infortunios ignorados que suceden en la vida cuando tienes veinte años. La viral “More than Friends” invadió los cortos de TikTok en 2020 y fue de los primeros vistazos del anhelo de Bissett por construir narrativas sobre la búsqueda de conexión.

Posteriormente, el músico originario de Florida lanzó los EPs I’m Alright if You’re OK (2022) y Supernova (2023) en los que se percibe la influencia de The Strokes y The 1975, dos de sus bandas favoritas, y con los que logró colocarse en el radar de propuestas musicales más allá de su fama en redes sociales. Como todo proyecto que busca una maduración sonora, finalmente en el 2025, Aidan Bissett publicó su primer álbum de larga duración titulado shut up and love me, un álbum que se adentra al anhelo de encontrar una conexión auténtica con alguien, a pesar de que esa exploración puede ser engañosa y destructiva. Aunque esas relaciones resulten una ilusión, la voz de Bissett se encuentra a sí misma en un vaivén de cuerdas que terminan siendo su verdadero cobijo.

En esta conversación con Aidan Bissett descubrimos las hechuras de este debut, desde sus influencias visuales como los impulsos iniciales que encienden la chispa de crear por crear; elementos que no solo hilan un arco narrativo sobre relaciones, sino que también tejen el trayecto de un artista en su propia búsqueda.

Felicidades por tu primer álbum de larga duración, shut up and love me. A pesar de que has lanzado música por un largo tiempo, esta entrega es diferente. ¿Imaginaste este álbum como el primero?

Cuando comienzo un proyecto, siempre tengo claras mis intenciones sobre lo que quiero hacer. No quiero que sólo sea una combinación aleatoria de canciones; me gusta que haya un arco narrativo y que cuente una especie de historia que después sea interpretada de la manera que gusten las personas. Comencé este álbum con una idea que fue cambiando con el tiempo. Mientras lo escribía tuve un momento de realización para comprender lo que realmente quería expresar. Aunque suene raro, emprendí la composición del álbum listo para, simplemente, crearlo.

Definitivamente hay un arco narrativo al escuchar el álbum completo. Confesaste que el sencillo “are we in love yet?” fue la primera canción que escribiste y que a partir de ella construiste todo el disco. ¿Qué significa para ti esa idea de ‘estar adelantado a ti mismo’?

Cuando creas algo, cualquier cosa 一no necesariamente música一 y te permites soltar todas las ataduras, simplemente empiezas con la mentalidad de hacerlo por diversión, algo fluye en ti. Hace poco escuché a alguien decir que, si estás en paz con la idea de fracasar o de crear algo que quizá no te guste, entonces tendrás la libertad de explorar sin miedo. Creo que así comenzó “are we in love yet?”

Recuerdo que cuando la escribimos, llegué al estudio sin estrés, solo dije: “Hay que hacer algo”. No tenía la intención de hacer un hit ni nada parecido, solo quería componer algo. Ese nivel de libertad nos permitió tocar un estilo de sonido que no habíamos explorado antes. En ese momento no le di tanta importancia a esa canción. Definitivamente sentí que estaba adelantado porque volví a ella después de ocho meses y me percaté que me estaba acercando a algo importante, pero no tenía idea. Fue genial descubrirlo.

¿En algún momento sentiste que estabas fallando en alguna canción, melodía o letra?

Nunca pensé que estaba fracasando en sí o haciendo algo que pudiera considerarse malo. Simplemente aún no entendía lo quería. No me decidía por el sonido que buscaba, no lo había definido del todo, pero se fue desarrollando a medida que el álbum tomaba forma.

Tomaste tu tiempo para encontrar lo que querías. Aunque no mencionas explícitamente a la ciudad de Los Ángeles en el álbum, me parece que, de alguna forma, esta ciudad influyó en el desarrollo de los temas sobre la búsqueda de conexión y las relaciones. ¿Has visto la película Nowhere de Gregg Araki? Precisamente está ambientada en LA y muestra una especie de viaje de unos adolescentes que buscan conexiones auténticas, lo cual relacioné con el álbum. ¿Qué tanto el vivir y trabajar en Los Ángeles ha influido en la forma en que escribes sobre relaciones e intimidad?

Definitivamente influyó un poco. Encontrar tu lugar aquí en LA es algo complicado. Es una gran ciudad. Y especialmente si formas parte de la industria del entretenimiento, hay mucha gente por la que debes pasar para encontrar a tu grupo de personas, ya sean amigos o relaciones de todo tipo. Incluso puede parecer hipócrita o interesado de tu parte.

Este disco soy yo tratando de navegar por ese deseo por encontrar una conexión verdadera, lo cual es muy humano. Es muy humano querer ser amado y sentir que de verdad tienes amistades duraderas o tener a alguien que realmente te importa. Pero yo estaba luchando con ese anhelo y creo que muchas personas pasan por lo mismo. Todo el mundo quiere algo más, pero no saben cómo tenerlo. Es por eso que te lleva a un abuso de desear una conexión con alguien.

Claro, esa lucha de no sentirte solo en una ciudad grande. A lo largo del álbum navegas por una narrativa de una relación que se desarrolla lentamente. Comienzas con esta energía del flirteo inicial, después viene la duda, para terminar con “bloodtype”, una canción emocional que envuelve con su sonido orquestal. ¿Tenías un hilo argumentativo o viaje emocional que querías explorar en concreto?

Sí, el tema principal del álbum es la adicción a la conexión, que termina convirtiéndose en un bucle. La adicción, al final, es un ciclo. Y tienes razón, el inicio es juguetón y divertido, el cual es el comienzo del ciclo. Luego, conforme el álbum avanza, aparece la duda, como lo señalaste; es como ponerte en situaciones que pueden ser dañinas para ti o emocionalmente desconsideradas hacia alguien más. Casi al final del ciclo llega el momento de mirarte al espejo y surge la realización: “esto no es sano y debo hacer algo al respecto, tengo que buscar una solución”.

El final del disco regresa perfectamente a la primera canción. Quería que el álbum fuera literalmente un bucle, algo que continuara una y otra vez para simbolizar esta adicción.

Eso es muy interesante y creo que lograste capturar ese argumento en shut up and love me. Por otra parte, al trabajar con Andrew Wells como productor ¿de qué manera su contribución impulsó tus ideas?

Andrew es increíblemente talentoso. Él fue como el megáfono que acrecentaba lo que yo trataba de hacer. Fue muy bueno en amplificar y añadir cosas para que mi visión se hiciera realidad. Es un instrumentalista muy creativo e increíble. Creo que trabajo mejor con alguien que tiene su propio nivel de instinto e imaginación, y que pueden aportar algo mucho mejor de lo que pensaba. Él realmente lo hace. Fue genial trabajar con él porque se sentía como si los dos habláramos nuestro propio idioma y sabíamos lo que cada quien quería lograr.

Y es otro tipo de relación. En canciones como “bloodtype” la intensidad emocional crece: pasas de sentirte como un pensamiento secundario a reconocer un desajuste. ¿Escribir esos momentos más intensos te dio cierta claridad personal?

Por supuesto. Creo que eso sucede en “when I died” y “bloodtype”, ya que son canciones más introspectivas. Al escribir algo así, tienes que estar dispuesto a admitir cosas que quizá no te gustaría admitir. Forzarme a hacerlo, y ver realmente en mi interior, me permitió descubrir que hay cosas en las que todavía debo trabajar en mí mismo.

Claro, el álbum se siente como un lanzamiento muy honesto. ¿Qué tanto cambió la forma en la que abordas las redes sociales o la forma de mostrar vulnerabilidad en línea?

Me ha permitido ser un poco más vulnerable y quitarme la presión de “hacer el mejor video” o cosas así. Ahora, con las formas cortas de contenido como Tiktok o los reels de Instagram, trato de divertirme y permitirme simplificar el video, sin tener que hacer videos con producciones muy locas y elaboradas. Ahora ya puedes tomar tu teléfono, escribir un texto en la pantalla y publicarlo. Es divertido y te quitas ese peso de encima.

¿Cómo te aproximas al aspecto visual de tu proyecto?

Ese aspecto fue una gran parte de este proyecto en específico. Pienso que el crear un mundo, especialmente un mundo visual, es lo que separa a un músico de un artista. Cuando comencé el álbum, me senté con mi manager y mi equipo creativo de Capitol Records para hacer una biblia de marca, donde sugerimos las tonalidades de color, la tipografía y todas esas cosas. Era literalmente una carpeta, que, por cierto, aquí tengo conmigo. El tener una biblia de marca antes de comenzar un proyecto así es como tener una brújula a la que siempre puedes volver.

Quería que cada video fuera no solo coherente, sino que estuvieran conectados entre sí. Hay cosas curiosas en ellos aunque no tuviéramos tanto presupuesto. De hecho, tuvimos que pedir muchos favores para poder realizarlos y casi todos son visualizers porque sólo con eso podíamos trabajar. A pesar de que fueran visualizers, quería que fueran divertidos de ver. Y no sólo eso, sino que también tuvieran elementos escondidos como frases que aparecieran en la pantalla. Cada vídeo es técnicamente un bucle, pero cada bucle cambia un poco o muestra cosas diferentes. Además, cada video era un adelanto sobre la próxima canción incluso antes de que el público supiera cuál sería. Eso fue genial.

Otra parte interesante es que los espacios donde se grabaron eran muy liminales; era importante para mí que los escenarios se sintieran como un lugar que reconoces, pero que no identificas del todo. Como si estuvieras atrapado en un purgatorio, un purgatorio emocional. Esos elementos tomaron un papel importante en este proyecto, pero esos detalles son relevantes para crear un universo artístico en general.

Tienes razón. Y lo liminal e inquietante también están conectados cuando vives una relación. ¿Había una estética específica o una película que tomaste como referencia para dar forma a estas ideas?

Sí, déjame recordar lo que usamos. Voy a sacar la carpeta ahora mismo. Usamos muchas películas francesas como ideas iniciales. Recuerdo que sugerimos letras rosas y tomamos como ejemplo los viejos pósters de The Smiths. [Mientras revisaba su carpeta] ¡Claro! También hubo mucha influencia de Sofia Coppola [en una hoja se mostraban las imágenes de Las vírgenes suicidas y Priscilla]. Hay algo en sus películas y en las de la nueva ola francesa que me parecen muy íntimas. No son grandes producciones, sin embargo son muy emocionales, mientras juegan con la sensualidad e incluso combinan algo de espacios liminales.

Hicimos un evento para fans en el lanzamiento del álbum donde quitamos todas las canciones del soundtrack de Las ventajas de ser invisible (Dir. Stephen Chbosky, 2012) y sobrepusimos shut up and love me en toda la película. Fue muy divertido.

Siempre he amado esa película desde que era niño, siempre regreso a ella de alguna forma. Es como el tipo de amor de infancia que sigue siendo muy importante para mí.

Son referencias increíbles. Vi también que aludiste a Godard, por lo que hay influencias de la nouvelle vague, Sofia Coppola y Las Ventajas de Ser Invisible. Creo que todas están reflejadas en el álbum a tu manera. Por otra parte, escuché la influencia del sonido de The 1975 y sé que es una de tus bandas favoritas. Pero ¿cómo te sientes de ser ahora un punto de referencia para nuevos artistas que están empezando su carrera?

Es algo loco porque todavía me siento como un artista pequeño, y si hay gente que me usa como referencia es increíble. Es un honor honestamente porque quiere decir que estamos haciendo algo bien y que hay un verdadero objetivo e intención detrás de lo que hacemos. No solo se trata de publicar cosas porque sí, o de subir canciones para Tiktok; hago esto porque realmente tengo algo que decir, no porque quiero ser famoso.

De hecho, mis referencias e inspiraciones son bandas que no les interesa ser famosos, sólo quieren crear algo que suene genial para ellos. Si hay personas que buscan mi música y les gusta, de verdad es un honor. Es algo que cualquier persona soñaría.

No sé si estás familiarizado con el K-pop, pero Anton, un miembro de la banda RIIZE, recomendó todo tu álbum. Estás en una playlist junto con Deftones y Frank Ocean.

¿Qué? ¡Wow! Eso es genial. No tenía idea. De verdad es genial saberlo.

Finalmente, ¿qué enseñanza te dejó hacer shut up and love me y que quisieras seguir llevando contigo a lo largo de tu carrera?

Lo más importante es callar todas las voces, especialmente las voces externas, que te dictan lo que tienes que hacer cuando creas algo. Sigue lo que pienses que es correcto, pero también permítete ser desafiado. Crea sin las presiones o las influencias de otras personas. Estoy convencido de que harás tu música favorita si la haces para ti y no para alguien más. Probablemente, esa es la lección más importante.