Después de cuatro años desde EBM (2022), Editors regresa con Surface, Echo & Sound, su octavo álbum de estudio, publicado a través de Play It Again Sam. Más que una continuación de su anterior trabajo, el disco representa un nuevo punto de inflexión para la banda de Birmingham: una búsqueda por recuperar la espontaneidad de sus primeros años y volver a entender la música desde la interacción entre sus integrantes. Frente a una etapa marcada por la experimentación electrónica y los procesos de grabación más fragmentados, el grupo apuesta ahora por una aproximación más orgánica, donde las guitarras, las interpretaciones en directo y las imperfecciones también forman parte del lenguaje creativo.

En conversación con Worked Magazine, Russell Leetch, bajista de Editors, reflexiona sobre las decisiones que dieron forma a este nuevo capítulo, la importancia de volver a tocar juntos y el equilibrio entre intuición, instrumentación y producción. También comparte sus referencias musicales y su perspectiva sobre el renovado interés por las bandas de guitarras. Surface, Echo & Sound no plantea una ruptura con el pasado, sino una manera distinta de reconectar con aquello que ha definido a Editors desde sus comienzos.

Es un buen momento para hablar, especialmente ahora que tienen un nuevo disco del que conversar. Lo he estado escuchando bastante y me ha sorprendido gratamente esta nueva dirección sonora de Editors. ¿Cómo surgió la idea de recuperar esa dinámica de tocar juntos y volver a encontrarse en una misma habitación?

Totalmente. Es genial. Muchísimas gracias. De verdad significa mucho. Es bonito conocer las reacciones de la gente. Parece que están contentos de que hayamos vuelto a tocar nuestras guitarras.

Sí, queríamos recuperar esa dinámica de tocar juntos. Fue la primera vez que volvimos a reunirnos de verdad en una misma sala. Evidentemente, no lo hacíamos desde antes de la pandemia. Después grabamos un disco, pero cada uno trabajó por separado. Esta vez queríamos entrar deliberadamente a una sala, mirarnos de frente y volver a tocar en círculo. Cuando estás en una habitación con los demás aparece una energía y una emoción que no se consiguen cuando no estás cara a cara y te quedas pensando demasiado las cosas.

Hay algo irreemplazable en esa respuesta física que se produce cuando tienes a otra persona tocando delante de ti. Y siento que esa experiencia también se refleja en la atmósfera del álbum: es un disco íntimo, pero al mismo tiempo grande y expansivo. ¿Cómo encontraron el equilibrio entre esas dos dimensiones?

Sí, creo que es así. Para mí, un disco siempre necesita momentos más tranquilos, además de otros grandes y grandilocuentes. Si no, termina siendo demasiado ruido, demasiado de una sola cosa. Queríamos que las canciones más grandes tuvieran guitarras con mucha presencia, pero también incluir momentos más calmados. Y, una vez más, la idea era tocarlo todo en una misma sala y ensayarlo juntos.

Suena curioso, pero creo que no ensayábamos de esta manera desde hacía unos veinte años. ¡Es una locura! Con el tiempo adquieres otros hábitos. Haces un álbum, sales a tocar y entras en un mundo musical muy distinto al que conocías cuando eras estudiante universitario. Queríamos recuperar un poco esa sensación de cuando estábamos en la universidad: reunirnos, pasar el rato, tocar algunas canciones y pensar juntos en la música.

Esa intención también se percibe en la grabación. Se pueden escuchar pequeños ruidos, respiraciones y detalles de los instrumentos que normalmente se eliminarían en una producción más pulida. ¿Qué significaba para ustedes conservar esas imperfecciones y registrar las canciones de principio a fin?

Creo que hay ciertas imperfecciones en la grabación, y eso forma parte de su encanto. Todo lo que se escucha somos nosotros. No hay sobregrabaciones: son interpretaciones completas, tomas tocadas de principio a fin. Lo construimos de esa manera, en lugar de ir juntando fragmentos.

Además, los discos que realmente nos gustan no se hicieron de esa forma tan fragmentada, así que decidimos no hacerlo tampoco.

Esa forma de grabar también permite que cada instrumento conserve su espacio y su propia textura. En ese sentido, ¿cómo abordaron la producción junto a Blanck Mass? Llevan trabajando con él varios años, pero este álbum parece apostar por una aproximación más directa y menos cargada de capas electrónicas.

En realidad, esta vez no participó demasiado. Ese fue justamente el asunto: no podía comprometerse con el tiempo que necesitábamos para ensayar porque estaba trabajando en una gran banda sonora para una película, crime 101. Así que nos dijo que siguiéramos adelante con el disco.

Al principio pensamos que quizá podría venir a hacer algunas otras cosas. Pero, a medida que avanzábamos, llegamos a la conclusión de que no necesitábamos demasiada programación ni todas las texturas que Ben suele aportar. Queríamos algo más directo: no capas y capas de sintetizadores, sino un sintetizador, o una persona tocando una sola parte. Esa era la idea.

En ‘The Rush’, por ejemplo, hay una textura que parece estar suspendida detrás de las guitarras y la mandolina. Es sutil, pero aporta bastante profundidad a la canción. ¿Cómo construyeron ese sonido?

Sí, creo que eso es un drone que hizo Elliot. Lo creó a partir de la reverberación de la mandolina. La grabó, luego la sampleó y la convirtió en un sonido continuo, un drone. Así se consigue esa textura.

Es interesante cómo una resonancia acústica puede transformarse en algo completamente distinto. ¿Ese tipo de decisiones aparece durante los ensayos o suelen tener desde el principio una idea clara de qué elementos deben ocupar el primer plano?

Creo que es simplemente cuestión de ensayar. Así descubres hacia dónde quieres llevar una canción. Tenemos distintas versiones de algunos temas; a veces terminan convertidos en piezas enormes y épicas. Si revisas nuestra trayectoria, hay una canción como «Nothing»: hicimos una versión en vivo muy grande, pero cuando fuimos a grabarla no funcionó. Entonces la transformamos en una pieza muy orquestada. Algo parecido sigue ocurriendo en este disco.

Hay canciones que simplemente no necesitan demasiados elementos.

También debe haber algo de confianza en reconocer cuándo una canción ya encontró su forma y no necesita más intervenciones. ¿Cómo evitan sobrepensar ese proceso?

Exactamente. Hay que confiar en el instinto.

Me interesa esa idea, sobre todo en una época en la que siempre parece posible volver atrás, modificar algo y seguir corrigiendo. Trabajar de una manera más directa también implica tomar decisiones y dejar que la música siga su curso.

Exactamente. A veces es mejor tomar una decisión y seguir adelante.

Hablando de los instrumentos, la mandolina tiene una presencia bastante particular en el álbum. No necesariamente desde su asociación tradicional con el folk, sino como parte de una identidad sonora más amplia. ¿En qué momento descubrieron que podía tener un papel tan importante dentro de estas canciones?

Siempre hemos tenido una mandolina por ahí. Cuando empezamos, alguien estaba tocando las canciones con su guitarra acústica, pero no terminaban de funcionar del todo. Las canciones pedían más bien un rasgueo, en lugar de la manera habitual de tocar un acorde o puntear una guitarra. Poco a poco nos dimos cuenta de que podíamos incorporar más la mandolina.

Hace mucho tiempo hablamos con R.E.M. y siempre recuerdo que Peter Buck tenía mandolinas en el escenario. No era el único: Scott, que tocaba con ellos, también las utilizaba. Pensamos que podíamos explorar ese camino. Es una referencia que nos gusta.

R.E.M. es una referencia inevitable cuando hablamos de la mandolina en el rock. ‘Losing My Religion’ sigue siendo uno de los ejemplos más reconocibles de lo que puede conseguirse con ese instrumento.

Sí, son los mejores. Creo que ‘Losing My Religion’ es, evidentemente, la mejor canción con mandolina del mundo.

Y desde tu lugar como bajista, ¿cómo trabajaste para encontrar el espacio del bajo dentro de esta nueva producción? ¿Hubo algún instrumento, amplificador o equipo al que recurrieras especialmente durante las sesiones?

Siempre he tenido una buena pedalera, con algunos pedales Aguilar y amplificadores SansAmp para darle fuerza al sonido. También usamos un buen Ampeg. De vez en cuando añadimos un poco de calidez y fuzz, pero, sobre todo, se trata de encontrar el lugar del bajo dentro de la canción y junto a la batería.

Queríamos que esas dos partes funcionaran muy bien y que hubiera espacio entre ellas. Creo que eso es lo mejor para el ritmo. Hay canciones que te impulsan y otras que simplemente avanzan con un groove que hace que la gente mueva la cabeza. Me gusta mucho ese equilibrio.

Me gusta que menciones el espacio entre el bajo y la batería, porque muchas veces el ritmo también depende de lo que cada instrumento decide no ocupar. Cambiando un poco de perspectiva, ¿qué has estado escuchando últimamente? ¿Hay alguna banda o artista que te esté despertando especial curiosidad?

¿Te refieres a bandas nuevas? Hay una buena banda que llevamos de gira, se llama World News. Me gustan mucho; son una gran banda de guitarras de Londres.

En realidad, siempre estoy rodeado de música. Me gusta el disco de Geese, aunque siempre me hace pensar en Captain Beefheart. También he estado escuchando el álbum de Moonbeams.

Pero soy más bien un rockero. Me gusta Soundgarden y el año pasado fui al último concierto de Black Sabbath.

¿Qué significó para ti estar en ese último concierto de Black Sabbath?

Fue su último concierto, así que resultó muy emotivo. Fue emocionante porque él estaba muy enfermo. La actuación quizá no fue extraordinaria desde el punto de vista musical, pero el sentimiento y la energía de todo el público hicieron que fuera una de las mejores experiencias.

Esa energía también aparece en bandas como Geese, que recuperan cierta libertad y una actitud casi impredecible sobre el escenario. ¿Te entusiasma lo que está pasando actualmente con las nuevas bandas de guitarras?

Sí, últimamente se han vuelto realmente salvajes. Me gusta eso de ellos. Además, son muy jóvenes.

También es emocionante ver que están apareciendo tantas propuestas nuevas. Durante un tiempo parecía que la escena de guitarras estaba un poco estancada, pero bandas como Fontaines D.C. e IDLES han contribuido a cambiar esa percepción. ¿Crees que estamos viviendo una nueva etapa para el rock?

Creo que, desde que Fontaines D.C., IDLES y algunas bandas británicas e irlandesas empezaron a crecer y se volvieron enormes, eso ha ayudado a que la música hecha con guitarras vuelva a tener fuerza.

Creo que todos empezaron a sentir que querían algo real. Quizá tuvo que ver con toda esa etapa en la que abundaban los productores que trabajaban desde sus habitaciones y todos hacían música en sus laptops. En algún momento la gente pensó: “Ya no quiero esto. Dejemos todo eso, tomemos una guitarra y cantemos una canción”.

Quizá también tenga que ver con recuperar una experiencia más física y colectiva de la música. Después de la pandemia, volver a compartir un espacio, tocar frente a otras personas y sentir esa energía en directo adquirió otra dimensión.

Completamente.

¿Disfrutan volver a tocar esas canciones antiguas desde la perspectiva que tienen ahora como banda?

Sí. Hace poco las revisamos y reorganizamos. Ahora tenemos un sexto integrante en el escenario, Nick, que toca buena parte de las mandolinas, además de guitarra eléctrica y piano. Eso permite que Tom tenga más libertad para concentrarse en cantar y estar al frente del escenario.