La escena de la música electrónica es un gigante que se desarrolla todos los días desde diferentes aristas; y es así que los hermanos Diego y Gonzalo, originarios de Chihuahua, México, están construyendo su propio universo entre sintetizadores y guitarras. 

Desde 2023 han trabajado en su discografía, pero en este 2026 llegan pisando fuerte con el lanzamiento de su primer EP titulado “Caos”, que incluye la participación de la cantante mexicana Alaíde. En Worked Music platicamos con Epidemic of Boringness sobre las influencias que los acompañan en este proceso y también sobre el camino que han recorrido como artistas independientes desde Chihuahua hasta la Ciudad de México. 

Epidemic of Boringness es una dupla que se aproxima a la música electrónica desde la curiosidad y el deseo por salir de la monotonía sonora, en ese sentido, desde su conformación en 2023, ¿cómo fue el proceso de definir el tipo de producción que querían lograr y qué retos enfrentaron al inicio?

El proceso de definir el tipo de producción vino muy desde lo que siempre nos ha gustado escuchar. Nuestras influencias no son solo musicales, también vienen de otros lugares más estéticos y conceptuales, y todo eso fue moldeando el sonido y la identidad del proyecto. Al inicio, uno de los retos más grandes fue justo aterrizar esa visión y lograr una estética clara y coherente. Y, bueno, también ha sido un desafío hacer que la gente conecte con lo que hacemos, porque muchas de nuestras referencias no son necesariamente comerciales, entonces, toma un poco más de tiempo encontrar a ese público. 

Recientemente estrenaron con “Movida Música” su primer EP titulado “Caos”. Antes que nada quiero felicitarlos por el lanzamiento de este material y me gustaría que nos contaran sobre los tracks principales, comencemos con “Abismo”. En redes compartieron un video mostrando las diferentes partes que la conforman a nivel producción como los risers, vocal chops e incluso una grabación del metro, que me llamó mucho la atención por lo cotidiano que es. En relación a esto último, ¿dónde encuentran inspiración para su música? ¿Es en el día a día o en la suma de experiencias más complejas?

En cuanto a la inspiración, creemos que viene un poco de ambos lados. Muchas veces las ideas iniciales nacen de cosas muy del día a día, de lo cotidiano, pero conforme vas desarrollando el track, empiezas a buscar referencias más específicas, quizá menos obvias, o incluso más abstractas. Es como un proceso que va creciendo, parte de algo cotidiano, pero poco a poco se va transformando en algo más complejo.

“Dejarlotodo” es la segunda joya en la que han puesto énfasis, esta colaboración con vocales de Alaíde eleva aún más la melodía que construyeron, ¿cómo fue el proceso de trabajar con ella y qué tanto de la retroalimentación con la cantante les ayudó a llevar esta producción a tierra firme?

“Dejarlotodo” es un track que ya teníamos bastante avanzado a nivel instrumental, y desde el inicio teníamos muy claro el concepto que queríamos transmitir, desde el nombre. Cuando llegamos al estudio con Alaíde, ella captó muy rápido la idea que teníamos en mente, lo que hizo que todo el proceso fuera muy fluido. Definitivamente, sentimos que logró traducir en la letra y la interpretación vocal todo lo que ya buscábamos transmitir musicalmente, y eso terminó por llevar la canción a otro nivel.

“Caos” se conforma de 5 canciones, el sonido es consistente y, en general, es una carta de presentación fuerte para “Epidemic of Boringness”. ¿Fue difícil hacer esa selección de tracks? ¿Hubo alguna canción que les habría gustado incluir y se dieron cuenta muy tarde?

No fue un proceso particularmente difícil, porque al final eran las canciones que tenían mayor coherencia entre sí, tanto en sonido como en estilo, y que mejor representaban lo que queríamos mostrar con el proyecto.

Sin duda tenemos muchos demos y otros tracks que nos gustaría compartir, pero —a veces— para mantener una línea coherente (tanto en lo estético como en lo narrativo) tienes que dejar algunas cosas fuera. Igual, son ideas que pueden retomarse más adelante o desarrollarse en otro momento. 

Dentro de sus primeros trabajos en canciones como “Forms of love” y “Up in the air again” podemos escuchar influencias de géneros como el drum and bass; sin embargo, en su obra más reciente hay una exploración hacia otros ritmos. ¿Cómo han logrado moverse dentro del espectro de la música electrónica sin sentirse obligados a encasillarse en un solo género?

Para nosotros, tanto como productores como fans de la música, movernos entre distintos géneros es algo que realmente disfrutamos. Al final, una de las cosas más emocionantes de ser un proyecto independiente que apenas está empezando es justamente esa libertad creativa. 

No sentimos la necesidad de encasillarnos en un solo sonido, más bien, nos interesa explorar los géneros que nos llaman la atención y jugar con ellos. Creemos que esa apertura también es lo que le da identidad y frescura al proyecto.

En distintos clips en sus redes sociales somos testigos de cómo en la creación de su música convergen la guitarra y el sintetizador. Considero que “seacabó” es una canción muy interesante por esos acordes de guitarra acústica que de modo preciso se fusionan con el beat, ¿Podrían contarnos cómo aterrizaron esa armonía entre lo digital y un instrumento físico para el proyecto?

Una de las características principales del proyecto es que siempre hemos incorporado instrumentos, aunque muchas veces los modifiquemos, o terminan sonando poco convencionales, y esto ha estado presente desde el inicio. Consideramos que usar elementos análogos (como guitarra, voces grabadas por nosotros u otros instrumentos) ayuda a que la música electrónica suene más humana. En esta era digital marcada por la IA, creemos que es importante que siempre haya algún toque orgánico presente.

Como hermanos han tenido caminos distintos dentro de la música, hasta que decidieron unir fuerzas para este proyecto y ahora que trabajan más cerca que nunca, ¿qué han aprendido del otro como músico o creativo? 

Creemos que cada uno tiene roles y gustos específicos que se complementan muy bien. Diego, por ejemplo, suele inclinarse más hacia la parte de arrangement y mezcla, mientras que yo, Gonzalo, muchas veces juego un papel más melódico. 

Hay una nostalgia que sus beats logran transmitirnos, ustedes mismos se refieren al proyecto como “emotional electronic music”. Normalmente la gente no espera que un track de electrónica pueda evocar estas sensaciones tan pacíficas o personales. ¿De qué modo consideran que imprimen sus emociones dentro de lo que hacen? 

Creemos que tiene mucho que ver con las influencias que tenemos fuera del género electrónico; por ejemplo, nos gustan mucho el shoegaze o el britpop. Mezclar esos elementos nos permite darle otra dimensión a nuestra música. Al mismo tiempo, siempre buscamos reflejar lo que nos gusta, quiénes somos y lo que nos mueve, no intentamos hacer o decir algo que no vaya con nosotros.

En redes también han sido muy transparentes sobre los primeros pasos que dieron al sacar el proyecto de Chihuahua y llevarlo al centro del país, ¿qué vivencias dentro de la CDMX han sido vitales para darle forma a “Epidemic of Boringness”? Y en relación a eso, ¿cómo se han adaptado a los retos que impone la escena musical de la capital?

Las vivencias en la ciudad, como ver lo que sucede culturalmente, asistir a conciertos, visitar distintos venues y festivales, y conocer a gente que forma parte del mundo de la música, han sido fundamentales para entender qué nos gusta y qué no. 

En cuanto a adaptarnos a los retos de la escena musical de la capital, ha sido un proceso gradual. Gran parte de lo que hemos aprendido y superado ha venido gracias a nuestro círculo cercano, amigos y personas que hacen cosas que nosotros no podemos hacer, y de quienes hemos podido aprender mucho.

Me gustaría que nos contaran un poco sobre sus experiencias presentando un DJ set en vivo, ¿Qué han aprendido sobre cómo se traduce la música desde el estudio en comparación a llevarlo a un público en vivo? ¿Cómo se sintieron la primera vez que presentaron el proyecto ante una audiencia?

Como asistentes frecuentes, siempre tratamos de ofrecer al público algo que a nosotros mismos nos gustaría experimentar. Tuvimos la suerte de que uno de nuestros primeros shows fuera abrir para Røz, estábamos un poco nerviosos, pero también fue un inicio fuerte que nos ayudó a ganar confianza y a prepararnos para los siguientes.

No me gustaría terminar la entrevista sin antes preguntarles: con la hiperconectividad a la tecnología y también el burn out que deriva de la misma, ¿cuál consideran que es el remedio para combatir la epidemia del aburrimiento? 

Este proyecto surgió justamente de un tipo de aburrimiento, pero creemos que cualquier actividad creativa siempre genera un impulso. También ayuda compartir momentos de convivencia social donde puedas desconectarte del celular y despejar la mente. Hoy en día, en un mundo tan sobreestimulado, estar aburrido se ha vuelto casi un privilegio, y a veces simplemente está bien no hacer nada.

Un EP no es suficiente para englobar una identidad completa y nos encantaría escuchar mucho más de ustedes. Para lo que resta de 2026, ¿qué podemos esperar de “Epidemic of Boringness”? 

Queremos visitar más ciudades de México y colaborar con distintos artistas. Además, estamos trabajando en música nueva, y nos encantaría lanzarla lo antes posible. Como artistas independientes, no siempre es fácil sacar todo lo que quisiéramos, pero esperamos que pronto haya nuevo material disponible.