Las transformaciones que vivimos día con día rara vez son perceptibles mientras ocurren. Como bien dice el propio NSQK, el futuro no llega de golpe: se construye lento. Casi nunca notamos el momento exacto en que mudamos de piel hasta que alguien externo nos lanza frases como «has cambiado mucho» o «ya no te reconozco». Pero cuando eso sucede, ¿en quién recae realmente la responsabilidad de reconocernos frente al cambio: en la mirada de los demás o en nosotros mismos?

Esa es, en esencia, la metamorfosis que NSQK retrata en mosca. Lo que comenzó como una anécdota doméstica —una inexplicable plaga de moscas en su departamento— y la lectura de La metamorfosis de Franz Kafka, terminó convirtiéndose en el tercer álbum de estudio del músico y productor regiomontano: una obra long-form de 17 canciones que cuestiona quiénes somos, pero, sobre todo, en quiénes estamos dispuestos a convertirnos para alcanzar nuestra mejor versión. Porque de esa versión —la que exige disciplina, sacrificio y asumir un rol que a veces incomoda al resto— quienes más conscientes debemos estar somos nosotros mismos.

A lo largo de una hora de duración, enmarcada de principio a fin por los temas «SAMSA» y «Margot», el proyecto desmantela las etiquetas de género tomando al rock como hilo conductor y tendiendo puentes con artistas tan diversos como Julieta Venegas, Eslabón Armado, Kevin Kaarl y Jean Dawson. Hoy, tras haber convocado a más de 40,000 personas en la Macroplaza de Monterrey —a unas cuantas cuadras de los bares donde dio sus primeros shows— y previo a presentarse ante 65,000 asistentes en el Estadio GNP Seguros para después emprender su gira más ambiciosa por América y Europa, platicamos con NSQK sobre el oficio de «desenterrar» canciones, las capas pictóricas y literarias de su nuevo universo, y el valor de mirarse al espejo cuando el resto del mundo te ve distinto.

Primero que nada, ¿cómo estás? ¿Cómo te has sentido con el recibimiento de mosca y qué es lo que más te ha sorprendido en estas últimas semanas?

Me siento muy bien; muy agradecido y muy bendecido por la gente. ¿Qué me ha sorprendido? Siempre es interesante ver las interpretaciones del público. Yo escribo la canción, pienso algo y siento algo, y luego resulta que alguien entendió una cosa completamente distinta. Obviamente eso no me molesta —para eso es la música—, al contrario, es muy bonito ver todas las interpretaciones y las conexiones que hacen con películas, libros, series y con sus propias experiencias personales. Eso siempre es bien lindo de ver.

¿Hay alguna interpretación de las canciones de mosca que te haya sorprendido especialmente por la distancia entre cómo la hiciste y cómo la recibió la gente?

NSQK: Fíjate que la última canción, «Margot», la escribí intentando que pareciera que hablaba de alguien más, cuando en realidad estoy hablando de mí mismo. Yo no esperaba que la gente cachara eso inmediatamente, pero resulta que sí, y qué bueno. Está bien bonito; de hecho, he visto videos en TikTok donde se comparan a sí mismos hoy con fotos de cuando eran bebés, y es muy lindo ver eso.

Quería platicar un poquito más acerca del trasfondo de mosca. Entiendo que leíste a Kafka y que tuviste esta situación con las moscas en tu departamento, pero más allá de eso: ¿sientes que tú haces las canciones o que las canciones te hacen a ti?

Buena pregunta. ¿En qué sentido?

Por ejemplo, ¿saliste de mosca siendo otra persona? ¿Te transformaste a través de este álbum? ¿Hubo, precisamente, una metamorfosis?

Sí, totalmente. Y creo que con cada disco a todo el mundo nos pasa: dedicarle dos años de tu vida a un proyecto te cambia. Definitivamente con este disco aprendí muchas cosas, me hice muchas preguntas y enfrenté retos personales en los que antes no había incurrido. Me siento hoy un artista completamente distinto a cuando empecé a hacer este álbum —espero que sea para bien—, y me encuentro en un muy buen punto conmigo mismo y con mi música.

Estuve viendo varias entrevistas que realizaste y en una hablaste sobre vender la idea de que eras «el mejor artista de México». Tengo entendido que estudiaste mercadotecnia; ¿qué tan involucrado estuviste en cómo se iba a promocionar mosca? Ha sido muy interesante ver desde los podcasts en los que has platicado hasta tu entrevista con Zane Lowe. ¿Cómo fue para ti este proceso de promoción en comparación con ATP o tus primeras grabaciones?

Me meto muchísimo en el proceso de promoción del disco y en su planeación. Como dijiste, estudié mercadotecnia y me gusta mucho; me interesa poner mis ideas sobre la mesa y que sea mi visión la que llevemos a cabo. Para este disco, desde un inicio queríamos salir a la calle con algo medio provocativo y retar un poquito la imagen que tiene la gente de mí como artista. Por eso salimos con esa frase de «soy el mejor artista de México», cuya razón detrás siempre fue: «soy el mejor porque me comporto como él».

En realidad, funcionaba como una sinopsis del disco y de esta metamorfosis: para llegar a ser el mejor, no puedes lograrlo sin actuar como tal. Más allá de salir desde el ego a decir que «todos me la pelan», era poner sobre la mesa que el equipo y yo trabajamos muy duro por ser los mejores, porque queremos serlo. Y si nos comportamos como los mejores, ¿quién me va a decir que no lo somos? Esa era la pregunta. Siempre me involucro muchísimo en planear la promoción y llevarla a cabo es bien divertido.

Estás presentando a un Rodrigo nuevo con mosca, pero si pensamos que un disco congela quién eras en un momento determinado, ¿qué sientes cuando ahora escuchas canciones tuyas de Roy o de ATP? ¿Reconoces a ese Rodrigo o simplemente ves a alguien en constante evolución?

Sí lo reconozco. Por ejemplo, nunca he sentido que el personaje de NSQK y la persona, Rodrigo, sean dos personas distintas. Al contrario, escucho mi música vieja y, si bien ya no hago ese tipo de canciones o ya no siento lo mismo que cuando las compuse, lo veo como ver una foto tuya de hace cinco o diez años. No te das cuenta, pero el cambio pasa todos los días y es lento; el futuro no llega de golpe, llega día con día. Entonces, al ver mi música y lo que hicimos hace dos, cinco o incluso diez años cuando empezaba, me siento todavía la misma persona. Definitivamente soy un artista diferente, pero sigo siendo el mismo.

En cuanto a los temas de mosca, tengo dos preguntas en una: ¿cuál fue la canción más complicada de grabar o terminar, y cuál es la más significativa para ti? 

La canción más difícil o retadora fue «Sangre», porque la primera maqueta la hice por ahí de 2020 o 2021. En cada proyecto o ronda de sencillos que hemos armado la incluía: hacíamos una nueva versión, reescribía los versos y la producía desde cero. Es la canción que por más versiones ha pasado en toda mi vida; en cada lanzamiento ahí estaba y al final la quitaba porque no me convencía. Para este disco la volví a incluir porque el coro siempre me gustó mucho, aunque nunca le había encontrado la vuelta. No fue hasta el proceso de mosca que por fin le dimos al clavo y sentimos que pertenecía al álbum y que esa era la versión correcta. Por mero tiempo recorrido, fue la más difícil de terminar.

Y sobre la canción más significativa, es una buena pregunta. Diría que está entre «Santurce», que funciona más o menos como el interludio del disco, y «Margot», la última, que es mi favorita y una de las más personales.

¿»Margot» también está relacionada con la obra de Kafka o surge de una experiencia meramente personal?

Sí está relacionada con la historia…

Por la figura de la hermana y cómo termina La metamorfosis, ¿no?

Exacto. La hermana de Gregorio Samsa se llama Grete —de Margarete—, y de ahí saqué «Margot». Ella era la única que lo cuidaba, la única dispuesta a reconocer que ese insecto que estaba en el cuarto seguía siendo su hermano, cuando el resto de su familia no lo quiso ver así. En esta metamorfosis de la que hablo, siento que hay gente en mi vida que ahora me ve como un insecto, y hay gente que todavía me reconoce como la persona que siempre he sido.

El planteamiento de la canción es que, en ocasiones, tienes que ser tú mismo esa hermana de Gregorio Samsa: estar dispuesto a verte al espejo y reconocerte aunque ya no seas igual. También habla de cosas que anhelo y extraño de la vida cotidiana, que por el trabajo o las giras ya no vivo o no puedo tener. No cambiaría por nada lo que hago, el trabajo que tengo ni las cosas que he logrado, pero definitivamente hay un precio, y a veces cuesta pagarlo. Eso es lo que plantea la canción.

Siguiendo en la línea de los temas, cuando titulas una canción «Ghost in the Shell», ¿es una referencia directa? Tenía la idea de que buscabas una estética medio japonesa para el concepto y sé que te gusta el anime —incluso en algún momento te vi abriendo cartas de Pokémon—. ¿Qué fue lo que te gustó de ponerle ese nombre?

Sí trae un poquito de referencia, pero va más por lo visual. Esa canción la escribí en Madrid junto con Diego 900 y Claudio Montana, dos artistas españoles. Cuando hicimos el outro —que es el más largo del disco, donde solo corre la música y hablan las guitarras—, mientras trabajábamos en el estudio yo estaba viendo escenas de la película del anime Ghost in the Shell. Visualmente sentí que encajaba ahí, y como ya teníamos la frase de «soy un ghost«, me hizo sentido llamarla así, aunque te mentiría si te dijera que es una referencia temática directa.

Me pareció muy interesante cómo incorporaste todo este bagaje cultural. En ese mismo sentido, ¿de dónde vinieron las ideas para los visualizers y el arte del álbum? El color azul tuvo un peso muy relevante y en varias portadas haces guiños a distintas pinturas. Algo muy valioso de tu disco es que no se queda en una sola capa; entre más le buscas, más detalles encuentras.

Siempre me ha gustado referenciar el arte, otros medios, otros artistas y obras, y a mi equipo también. Cuando hicimos mi primer disco, Roy, tomamos muchísima inspiración del arte tradicional y renacentista para las portadas y los videos. En esta ocasión ya teníamos la portada principal del dálmata, y a Miguel, que es parte del equipo de video de No Name Studio, se le ocurrió hacer la portada de «Hombre de bien» referenciando esta pintura de… ¿es de Picasso o de Van Gogh? Ya ni me acuerdo, disculpa mi ignorancia…

Es de Picasso, El viejo guitarrista

El viejo guitarrista, exacto. En realidad fue idea suya, no me voy a colgar la medalla de eso. Pero se me hace muy bonito porque todo el equipo tiene esa hambre de decir: «Okay, vamos a hacer el video, pero busquemos qué escena de qué película o qué pintura tiene sentido referenciar con el concepto». Yo también me inspiro mucho en películas, series y cosas que veo en redes sociales. Se me hace muy valioso cuando el arte tiene, valga la redundancia, carga artística; que no sea solamente ponerte en la cara lo que pienso y siento, sino que existan esas capas y niveles en el concepto que tú mencionas.

Desde tu perspectiva, ¿las canciones se inventan o se descubren?

Yo siempre siento que se descubren. Es como esta idea de los escultores que tienen la piedra completa frente a ellos: el trip es que la obra ya está ahí adentro, no la vas a crear desde cero, sino que tienes que ir a buscarla y sacarla. Normalmente así vivo el hacer música; sé que la canción ya existe y está ahí, pero hay que ir a desenterrarla. A veces eso toma más tiempo, a veces es muy rápido, a veces requiere de la fuerza de mucha gente y a veces estoy yo solo. Pero sí, la música ya está ahí.

 
Escribiste “cómo es que conoces palabras de los dioses»¿Crees que la creatividad tiene que ver con algo espiritual o es pura talacha, es puro estar ahí tratando de encontrar qué es lo que funciona para ti como artista? 

Ambas cosas, definitivamente. Sí hay una onda de… ¿espiritualismo o espiritualidad? ¿Cómo se dice?

Espiritualidad, aunque supongo que las dos funcionan.

Supongo que sí. Creo que son ambas cosas y que no existe una sin la otra. Por un lado, es un músculo que tienes que practicar y trabajar todos los días, pero también hay una gran parte de inspiración casi divina: esos momentos de lucidez bien cabrona en donde sientes que algo más está hablando a través de ti. Pero esa espiritualidad no te va a llegar si no estás ahí dándole y dándole.

¿Y qué pasa en ti cuando no estás creando? ¿Te sientes tú mismo o sientes ese vacío de la música?

Me empiezo a volver loco, la neta. Me empiezo a sentir mal, me agüito y me ciclo en el día a día. Ahorita que terminé el disco estuve casi un mes sin ir al estudio —no tengo estudio en casa, así que tengo que desplazarme— porque había que preparar el tour y atender medios, lo cual no te deja tanta chance. Y sí me empiezo a sentir triste y aburrido; luego, cuando por fin regreso al estudio, hasta me siento oxidado y me tardo un poquito en volver a agarrar el hilo.

Si mañana no pudieras volver a hacer música, ¿quién sería Rodrigo?

No tengo idea, la verdad. No sé qué me pondría a hacer. Llevo tanto tiempo haciendo esto que siento que ya no sé hacer nada más. Me tomaría un buen rato descubrirlo.

Pasando a la gira, acabo de ver que hiciste sold out en Bogotá. Pasaste de hacer fechas en México y algunas ciudades de Estados Unidos a un tour completamente internacional con paradas en España, Bogotá, Buenos Aires y Estados Unidos. ¿Cómo vives este crecimiento profesional en cuestión de escenarios?

Güey, me gusta muchísimo estar en el escenario; tener un micrófono en la mano es el proceso que más disfruto y lo que más me hace feliz. Por más cansado que sea tourear —tanto viaje, tanta ruta y dormir poco definitivamente le cobra factura al cuerpo—, me emociona muchísimo. De hecho, empecé a hacer música y a cantar porque veía a mis amigos en el escenario y me daba envidia.

Esta es la gira más larga que hemos hecho hasta la fecha y está llena de contrastes muy bonitos. La primera fecha es en el Estadio GNP en la Ciudad de México, que es nuestro show más grande hasta ahora, para unas 65,000 personas. Y una semana después tocamos en Saltillo, en un venue mucho más chiquito, de unas mil o dos mil personas. Alguien podría pensar que esos contrastes te agüitan o se sienten raros, pero la realidad es que es muy bonito tratar con la misma emoción y pasión un estadio que una sala pequeña.

En Estados Unidos y Europa vamos a salas chicas a picar piedra, a hacer nombre y a que la gente nos empiece a conocer. Hablo por todo el equipo cuando digo que le damos la misma importancia al show en un bar pequeño en Milán que al del Estadio GNP o la Arena Monterrey. Salimos a dejarlo todo independientemente de cuánta gente haya en la sala, porque lo hacemos por amor al arte y a la música. Es una bendición poder llevar esto a tantos lugares del mundo.

Mencionabas esa «envidia» de ver a tus amigos en el escenario cuando empezabas; en contraste, ¿qué sentiste al estar parado en la Macroplaza frente a una convocatoria tan impresionante de gente que fue a escuchar tus nuevas canciones por primera vez en Monterrey?

Fue muy raro, porque ese escenario impone muchísimo más hacia afuera que cualquier sala o festival que haya pisado. No solo por lo masivo o la cantidad de gente, sino por el peso de llenar un espacio público así. ¿De dónde eres tú?

Soy de la Ciudad de México, pero vivo en Querétaro.

¿Pero conoces Monterrey?

Si.

Pues ya ves cómo están las montañas. Desde el escenario ves toda la Macroplaza, tienes edificios y rascacielos a cada lado, y al fondo está la Sierra Madre; es una vista que impone muchísimo. Además, ahí mismo en el centro, a dos o tres cuadras de la Macroplaza, fue donde di mis primeros shows y a donde iba con mis amigos a cantar en bares y en fiestas de la escena local. Vivir ese contraste también es bien bonito. Más allá de sentirme orgulloso y contento con lo que logramos, sobre todo me siento muy bendecido y agradecido con la gente porque somos del mismo equipo; somos la misma raza desde que empezamos hasta donde estamos hoy en día, y ojalá así siga siendo por mucho tiempo.

¿Esta gratitud que mencionas está relacionada con la autenticidad o la intuición que tienes para crear y ser el artista que eres hoy en día?

Me gustaría pensar que sí. Todo lo que hacemos parte de la conciencia de que estamos aquí gracias a la gente. Yo me dedico a esto gracias a los fans: a quien escucha la música, compra una camisa, paga un boleto o comparte una canción en su Instagram. Eso lo tengo muy claro y todos los días trabajo por merecérmelo.

Como equipo, siempre pensamos primero en la experiencia del fan. Cuando hemos hecho pop-ups de merch o todo lo que rodeó el lanzamiento del disco —que si tenían que ir a comprar un boleto de lotería, buscar en una paca o el evento gratuito en la Macroplaza—, todo estuvo pensado alrededor de su experiencia. Uno de los principales motores de lo que me atrevo a llamar el lado del negocio de la música —porque al final de cuentas lo es, no puedo ignorarlo— es justamente el agradecimiento a la gente. Así que sí creo que tiene mucho que ver con la autenticidad y con lo que intentamos hacer en la música.

¿Crees que mosca sale en un punto clave para la recepción musical actual? El público es cada vez más exigente con lo que espera de un artista, y siento que la autenticidad de mosca radica en que son simplemente canciones, sin atarse a un género; escuchas absolutamente de todo —es más, me atrevo a decir que si a alguno de los temas le hicieras un arreglo con mariachi se escucharía aún más precioso de lo que ya es—. ¿Crees que esa libertad y autenticidad en el disco es lo que te permite atravesar fronteras y posicionarte hoy en día?

Sí. Ha cambiado muchísimo cómo escuchamos música; hoy la gente escucha música como ve TikTok: un video tras otro en chinga, pasas de una canción de un género a otra de uno completamente distinto al mismo tiempo. Ya no hay subculturas rígidas; si un día me quiero vestir como vaquero y mañana como emo, lo puedo hacer y nadie va a cuestionarlo. La gente consume música de esa misma forma hoy en día, y creo que eso nos ha permitido a los artistas contar historias, armar narrativas y tener consistencia mucho más allá del género musical.

mosca es eso: la historia que yo quiero contar, con la bendición de no tener que limitarme a un solo género. Hoy el público entiende muy bien que la consistencia en una narrativa no depende solo del tempo, del género o de las inspiraciones, sino que va mucho más allá. Lo hago totalmente con esa intención y creo que estamos en un momento en el que, a diferencia de hace unos años, la gente quiere volver a escuchar discos largos, conceptos clavados y formatos long-form. Eso se me hace muy bonito.

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