Cuatro años después de “2001”, Tokio Hotel regresa con “ENCORE”, su séptimo álbum de estudio. Con más de dos décadas de historia compartida, el proyecto de Bill Kaulitz, Tom Kaulitz, Georg Listing y Gustav Schäfer no busca forzar un regreso estricto a sus primeros años ni tampoco desprenderse de ellos.

El título del disco funciona como una declaración de continuidad: pedir una canción más sobre el escenario (encore) y la idea de permanencia detrás del término alemán zugabe. A lo largo de doce canciones producidas por la propia banda, el cuarteto propone un recorrido donde conviven la nostalgia del pop de comienzos de siglo, guitarras directas, momentos acústicos y exploraciones electrónicas, articulados alrededor de transiciones personales, despedidas y la reconstrucción de la propia identidad.

La apertura con “Changes” instala de inmediato esa sensación de movimiento. Una guitarra eléctrica suave marca los primeros compases antes de que la batería instale un ritmo rápido, muy cercano al pop cinematográfico de los 2000. La voz de Bill aparece al frente para abordar la resistencia a soltar un vínculo frente a una transformación interna. La canción sostiene esa marcha constante hasta resolver en un acorde suspendido de guitarra que corta en seco, sin bajar la velocidad.

Ese ritmo inicial se frena en “Without You”, donde la atmósfera se vuelve más contenida. La introducción prescinde de la batería para apoyarse en sintetizadores tranquilos, y recién después se suman las cuerdas y el bajo. La letra describe lo difícil que resulta procesar una separación: “I don’t wanna be alone / without you”, mientras los coros se repiten de forma insistente, contrastando con versos donde la voz queda prácticamente aislada para acentuar esa sensación de vacío.

En “Call Me By Your Name”, la guitarra eléctrica y la voz entran en simultáneo desde el primer segundo. La atmósfera se inclina hacia un terreno más romántico y melancólico, deteniéndose en el pasado, en la mirada ajena sobre una relación y en la figura de quien llega a reparar heridas previas. La base combina planos acústicos y eléctricos, sumando hacia el final un solo melódico de Tom que define el desenlace de la pista.

El aire vuelve a cambiar en “Lover’s Cove”, conducida por el rasgueo constante de la guitarra acústica y una línea vocal ligera. La letra utiliza ese rincón geográfico como un espacio de descanso y refugio: “Come on let’s go to lover’s cove”. Es una canción directa, que no da muchas vueltas en su desarrollo y que hacia el cierre deja que los instrumentos y las voces bajen la intensidad de manera gradual hasta apagarse.

El costado más percusivo del álbum aparece en “Memory Lane”. La batería arranca marcando el compás bien de cerca junto a la voz, dándole una marcha insistente desde el primer momento. La producción incorpora segundas voces procesadas en forma de eco que amplían el plano sonoro, mientras las guitarras van al frente para sostener un relato sobre los recuerdos compartidos y las despedidas que nunca llegaron a decirse del todo.

La seguidilla se corta en “Wanderlust”, la composición más pausada y melancólica de la primera mitad del trabajo. Bill abre a capela antes de dar entrada a un sonido más lento y espaciado que remite al patrón armónico característico de los noventa. Hacia el final, la percusión desaparece por completo y el tema se diluye lentamente dejando sonando solos una armónica y acordes de guitarra suspendidos.

El contraste llega de inmediato con “Shout 2 The Universe”, una pista rápida que retoma las raíces del pop rock de estadio. Con un pulso ágil y un coro muy enérgico, la letra confronta la desilusión cotidiana con el impulso de arriesgarse por amor: “I want to have it all”, “risk it all against all odds”, apoyándose en la fórmula clásica de batería marcada y guitarras al frente.

La atmósfera desciende hacia la introspección en “Homesick”. Conducida en sus primeros compases por el piano y una voz despojada, la canción examina el extrañar a través de rutinas mínimas y cotidianas, como tomar un café o conversar por las noches. La instrumentación gana peso de forma gradual con la entrada de la batería y las guitarras, armando un coro amplio que cierra con la necesidad de saber si al final uno fue amado.

Esa mirada sobre los vínculos se vuelve más cruda en “Dye My Hair”, el corte principal del disco. La guitarra y la batería abren el tema con un aire melancólico al que enseguida se suma la guitarra acústica, acompañando una narración sobre el costo de complacer a otra persona y la pérdida de la autonomía: “You made me dye my hair / lose my friends and act like I don’t care”. La pista acumula tensión en los versos y la libera en un estribillo directo que transforma el conflicto en un acto de libertad.

Hacia el tramo final, “Terminal 1” recurre a la imagen del aeropuerto como espacio de tránsito, partidas inevitables y distancia emocional. La base avanza con rapidez sobre guitarras eléctricas e incorpora por primera vez una línea de saxofón, sumando una textura nueva y fresca dentro del repertorio del cuarteto sin frenar el ritmo del tema.

Esa búsqueda rítmica se profundiza en “California Nights”, la canción más larga del repertorio. Apoyada en una línea de bajo prominente, sintetizadores y un pulso cercano a la música electrónica, la composición traslada la idea del adiós hacia la noche de California, explorando variaciones de ritmo que se distancian de las estructuras convencionales de la banda.

El cierre definitivo queda a cargo de “Perfect Ending”, donde el peso del rock vuelve a tomar el protagonismo con fuerza. La letra aborda la contradicción de un final que, aunque formalmente parezca el idóneo, deja una estela de desconcierto ante la frialdad del afecto. La voz de Bill adquiere mayor aspereza y potencia, mientras la base instrumental empuja la progresión hacia un remate eléctrico que deja al disco en su punto más alto.

A lo largo de “ENCORE”, Tokio Hotel entrega un registro claro y balanceado de su sonido actual. Apoyado en la complicidad de cuatro músicos que llevan más de veinte años trabajando juntos, el álbum recorre desde la nostalgia pop hasta el rock directo, logrando una propuesta concisa, fluida y consciente de su propio recorrido.