Encontrar la identidad es una meta fantasiosa que se destruye cuando algo vuelve a romper la ilusión de quiénes somos. Mayor es la revelación cuando ese algo es el amor. “WO[E]MAN” es el segundo disco de Sofia Monroy que le da entidad a toda esa revolución emocional. La cantante mexicano-sueca nominada en los Latin Grammy como Mejor Nuevo Artista, captura entre melodías pop nórdicas fusionadas con ritmos latinos, cómo las relaciones pueden ser el espejismo principal para chocarnos contra nuestros tormentos y plantear el interrogante principal: ¿Qué significa ser mujer? 

Oriunda de Ciudad de México, Sofia Monroy se mudó a los dos años a Suecia para luego regresar en la adultez a sus raíces y obtener respuestas de su historia e identidad multicultural. Su papá falleció cuando era joven y la figura materna se transformó en el símbolo de ejemplo, protección y lucha. “Morena”, su primer álbum, fue el resultado de ese proceso que la consagró como una de las figuras emergentes más interesantes, por obtener un atractivo equilibrio entre lo rítmico y bailable, con salsas y bachatas, y un pop estructurado y minimalista. 

Un tracklist compuesto por 11 canciones, una ruptura como disparador y una cantante que se atreve a crear su propio juego sonoro sin ataduras, reglas o mandatos. Un disco que se percibe como un completo viaje espiritual y terrenal, donde lo enérgico convive con lo íntimo y donde las dualidades y los cuestionamientos de género afloran sobre la piel. 

En conversación con Worked Magazine, Sofia Monroy abrió su universo creativo y nos contó sobre el proceso detrás de “WO[E]MAN”, el dolor como canalizador de conocimiento y la preparación para llevar su nueva era al vivo en los Latin Grammys. 

Felicitaciones por la nominación a los Latin Grammy como Mejor Nuevo Artista ¿Cómo te enteraste y qué se siente estar nominada en un sector de la música donde apostaste por tu carrera artística? 

Se sintió muy bonito, se sintió irreal, no me lo esperaba. Es un honor, la verdad, y lo agradezco mucho y es muy especial. Es un reconocimiento estar nominada en esta categoría porque marca el inicio de muchas cosas, aunque ya puedes llevar mucho tiempo haciendo lo que haces, ese reconocimiento siento que es un paso muy grande, se siente muy bonito. 

También felicitarte por tu nuevo disco, me gustó muchísimo! ¿Cómo fue ese proceso y punto de partida para la construcción de esta nueva etapa? 

Empecé a escribir este álbum hace como 3 años más o menos, cuando estaba “Morena”, mi primer álbum, que fue mucho más búsqueda, mucho más raíces e identidad. Este nuevo álbum es como si pusieras un espejo enfrente de todo lo que estaba buscando en “Morena”, se siente menos búsqueda y más claro. Me gustó mucho el proceso porque

empecé escribiendo el álbum estando en una relación y terminé pues este año. Fue como un proceso de aprendizaje de muchas cosas, siempre me gusta buscar un concepto dentro de los álbumes y hacer crear una narrativa y un mundo, lo que fue un reto hacer eso ya que no era identidad, sino más bien era buscar otra cosa fuera de mí, fuera de mis sentimientos. Disfruté mucho de crear todo este mundo alrededor con mis directores, mis productores y los compositores, estoy muy emocionada. 

El álbum navega mucho entre un pop bien limpio y nórdico, y a la vez un estilo súper latino con salsas y bachatas ¿Cómo manejás ese equilibrio en canciones repletas de detalles y cosas para prestar atención, pero que a la vez se sienten súper clean y minimalistas? 

Ay, qué cool, me encanta, eso es lo que yo trato de buscar entonces me parece increíble que tú lo interpretas así también. Es encontrar el equilibrio en esos dos mundos, entre Suecia que es el país del pop, que hay muchas reglas y muchas ideas de cómo hacer el pop, y luego tenemos pues mi parte mexicana-latina que no hay tantas reglas, es más sentir, no es tan calculado. Me intriga mucho tratar de mezclar porque de alguna forma son opuestos musicalmente. Mientras el pop sueco es muy minimalista, la salsa es lo contrario. Este álbum fue específicamente tratar de encontrar en cada canción ese punto donde ambos mundos conectan. Me inspira mucho porque siento que también me hace pensar y crear cosas donde no veo un camino claro, sino más bien es experimentar y llegar a cosas que a mí me gustan y donde yo me siento conectada y proyecto. Es un trip y me gusta.

Me gustaría adentrarnos en las canciones. El disco te va llevando en este juego entre lo gozable y lo bailable, hasta que en “La Casa” se produce un quiebre, se percibe como una canción cargada de enojo y densa ¿Qué simboliza la casa para vos? 

Esa canción la escribí el día que terminé esta relación. Entonces, ese enojo que escuchas es muy real, todos esos sentimientos que están dentro de esa canción son muy taken from the moment, porque llegué al estudio recién cortada y dije: «Necesito escribir sobre esto.» De alguna forma en el álbum es el turning point en esta relación y es al mismo tiempo donde sabes que esta relación no es para ti, que no es buena, que no te sirve y que tienes que irte. Pero también al cortar, no cortas nada más con el presente, sino también con el futuro y con todo lo que tenías planeado. Toda una vida paralela de alguna forma, donde ves todo lo que ya no va a pasar. Empecé a escribir desde esa perspectiva, como del grief, pero luego llegó el enojo, porque son sentimientos y el proceso. En esa canción se nota mucho que hay esas dos versiones. 

En “Me Intoxiqué Contigo” y “Mirada Mortal”, el amor se presenta desde un lado de insuficiencia y anhelo, pero al mismo tiempo la figura que lo cuenta lo hace desde un lado de empoderamiento, como si pudiera ver la situación desde arriba ¿Cómo influyó este tópico a la hora de construir la narrativa? 

Yo creo que lo importante en este álbum es que se trata de una relación de alguna forma tóxica, y de un proceso de entender. Yo me di cuenta de muchas cosas en esa relación sobre mí, sobre mis traumas, sobre lo que no me gusta, si me gusta, pero de alguna forma también me dejé llevar. Es muy fácil echar la culpa a alguien más y decir: «No, es que esta persona no tiene nada que ver e hizo esto”, pero para mí fue muy importante, y eso se nota en esas canciones en específico, que yo también elegí estar ahí. Fue más bien hacer una investigación de: “Okay, ¿qué pasó, no?”. Y “Me Intoxiqué Contigo” es como la realization of: “Okay, yo no me di cuenta en ese entonces, pero obviamente sí me intoxiqué”. Como que sí lo sabía, pero lo dejé ir, y “Mirada Mortal” también, sabes que maybe algo no es para ti, sabes que maybe te puede dañar y que hay algo ahí que no cuadra, pero aún así ahí estás. Es también tomar el control de la situación y no caerte víctima. 

Es como un disco medio terapéutico de todo tu proceso. Algo muy interesante es la combinación de los idiomas y lo multicultural, donde en este disco predomina mucho más el español ¿Esa elección de idioma nace desde el momento de la composición o pensando en un término y la mejor traducción? 

Yo creo que es un reflejo también de mi vida. Empecé a escribir “Morena” cuando todavía estaba viviendo en Suecia y en el proceso de mudarme a México o de reconectar con esa parte mía. Pero este álbum ya lo empecé acá y pues los últimos 3 años llevo viviendo en México, y siento que es un reflejo de eso también, como que quería deep dive en el español, pero no perder 100% la parte inglés tampoco porque eso también me representa. Siento que mi trip siempre fue mezclar los dos idiomas, pero al mismo tiempo no poner ese límite. Naturalmente por estar en México siento que fluye más escribir en español, además la mayoría de los compositores con los que trabajo hablan en español. Muchas veces las ideas me siguen llegando en inglés, a veces en español, y ese proceso de querer explicar un sentimiento o idea en otro idioma es muy divertido. También te das cuenta que hay muchas cosas en los idiomas que no existen en otros. Me pasó mucho en “Luna”, por ejemplo, al final lo digo en inglés, pero estábamos ahí pensando cómo decirlo en español, y todos los compositores me decían: “No hay forma”. 

¿Sentís que el oyente latino es más permeable a poder escuchar música en inglés y español? 

Ay, no sé. Cuando empecé a escribir en español era O, lo que vemos hoy con Rosalía, Bad Bunny y Daddy Yankee, había llegado a Suecia hace muchos años, pero como que no era normal escuchar música en español. Hoy en día sí ha llegado la música en español allá, hay un openness desde el público sueco, pero obviamente creo que todavía es más normal que el público que habla español escuche más canciones en inglés o mezclas. No sé, todavía estoy ahí figuring it out. 

Hay una cita que marqué en “No era de oro” que puede relacionarse con esto: «Ahora tienes personalidad gracias a mi nacionalidad” ¿Sentís que esta parte multicultural tuya aporta un distintivo? 

Esa frase salió después de cortar, mi ex es sueco. La pelea entre nosotros fue mucho cuando nos mudamos a México, pues obviamente él se mudó a otro país y fue muy foreign para él en este caso. También fue como un hint, son cosas que escribes cuando estás enojada. Quería tomar la idea y dicho de que los exes te roban la personalidad, más conectado a México, es como un wink. 

Algo que me llamó la atención del disco es que el primer tema arranca en el título refiriendo a una mujer y el último tema a un hombre ¿Esa elección tiene algún significado narrativo o simplemente fue una decisión creativa?

Sí, 100% es parte de la narrativa. Yo creo que en este álbum exploro mucho las perspectivas y el tema de ser mujer y la experiencia que eso significa. En esta relación también me di cuenta de las diferentes perspectivas que uno puede tener. Tú puedes tener una perspectiva de que esto es lo que significa ser mujer o esto es lo que significa ser una buena mujer, una mujer perfecta. Eso me voló la cabeza en ese entonces porque yo crecí con mi mamá soltera con cuatro hijos, fue ella toda mi vida. Nunca crecí con roles de géneros tal cual, y todas las figuras masculinas que yo conozco como fuertes, como ese típico pues imagen de masculinidad, a mi alrededor son mujeres. Me costó mucho trabajo tratar de entender esa perspectiva en esta relación. El álbum arranca con una mujer y qué significa ser mujer o tú qué opinas que es una mujer, y termina con un hombre donde digo: “Puedo ser todo lo que es un hombre siendo una mujer”. Y eso fue el last puzzle porque justo dentro de este álbum juego también con el título: “WO[E]MAN”. La idea salió de woman, o sea la experiencia de ser mujer, y me llamó mucho la atención que la palabra también incluye man. Quería dar un twist a eso y encontré la palabra woe, que significa triste en inglés o sorrow, troubled. Con eso entendí toda la imagen del álbum sobre un hombre triste, porque yo también me convertí en esta relación en un hombre triste, y creo que todos lo tenemos dentro de nosotros. Así me gusta llamarlo, un hombre triste que en vez de enfocarse en lo que es importante para él, se enfoca mucho en cómo se está behaving una mujer. Esas dos canciones fueron muy importantes, todo lo que pasa dentro del álbum son como branches de un tree. Pero una mujer y un hombre sí es el concepto más amarrado, y también como the realization, yo entendiendo mi trip en todo esto.

Se percibe mucho esta dualidad de la energía masculina y femenina que uno habita, pero que también es de la experiencia personal de lo que cada uno vivió y de los referentes que tuvo. Con los premios por delante y con tu segundo disco en la luz, ¿qué sigue en tu proceso creativo y con qué objetivos en mente? 

Siento que acaban de cambiar mucho las cosas con la nominación, ya sé que voy a ir a Las Vegas a tener un performance del best new artist. Lo que quiero hacer ahorita es bajar todo este concepto que llevo 2/3 años construyendo y trabajar para ver cómo lo puedo transmitir en vivo. Eso me emociona mucho, poder llevar el disco al vivo.