El indie pop es, hoy en día, una de las escenas musicales más complejas de navegar. A menudo, los proyectos corren el riesgo de inclinarse demasiado hacia lo comercial o perderse en la experimentación absoluta. Sin embargo, existe un balance perfecto, uno que pocos logran y que hemos encontrado en una artista que resurge después de tres años trabajando en nueva música, recordándonos que la verdadera esencia del indie es la libertad de ser nosotros mismos: Matahara.

El nombre artístico de esta talentosa cantautora indonesio-australiana se traduce como “el sol”, un astro cuyo propósito es dar luz y calor. Esa misma dualidad define a la perfección su proyecto. Radicada en la inmensa y competitiva escena musical de Melbourne, Matahara se especializa en envolver reflexiones introspectivas y líricas profundamente honestas en texturas de dream pop ligeras, burbujeantes y coloridas. Es su forma de desarmar al oyente y hacer que la melancolía se sienta como un abrazo cálido.

Tras capturar la atención con canciones entrañables como ‘Seen But Ignored’ y ‘Flying Kites’, y consolidar su característico sonido con el EP Oscillating In Imaginary Butterflies (2023), la artista se encuentra en el umbral de una etapa sonora más madura y orgánica. Su más reciente sencillo, ‘Caroline’, funge como un portal directo a sus emociones actuales, rindiendo un hermoso tributo a influencias del alt-pop como Caroline Polachek.

Platicamos con Matahara sobre cómo su lengua materna moldea instintivamente sus composiciones en inglés, la catarsis de usar nombres reales en sus letras y el enorme reto (y satisfacción) de preparar su próximo proyecto discográfico siendo una artista cien por ciento independiente.

Tu nombre artístico viene de Matahari (el sol), cuyo propósito es dar luz y calor. Sin embargo, el dream pop suele llevar consigo mucha melancolía. ¿Cómo equilibras el hacer música que acoja ese sentimiento melancólico y al mismo tiempo busque iluminar al oyente?

¡Me encanta esta pregunta, gracias! A menudo hablo de esto de diferentes maneras. Creo que, por naturaleza, soy una persona bastante equilibrada (y estoy muy agradecida de ser así), y supongo que eso se traduce en cómo navego por el mundo y por la composición de canciones. Siento mucho, pero también pienso mucho.

Cuando se trata de música, a menudo siento algo profundamente, escribo sobre ello y me tomo mi tiempo antes de encontrar de alguna manera la forma de expresar esos sentimientos bajo una luz diferente a través del sonido. Si prestas atención a muchas de mis canciones, notarás que pueden sonar burbujeantes y coloridas, pero líricamente no siempre encajan con esa energía o viceversa. Y me gusta que sea así. Creo que encapsula perfectamente quién soy, tanto como persona como compositora.

El contexto cultural: la escena indie de Melbourne es enorme y muy particular. ¿Cómo se filtra tu herencia indonesia en tu sonido actual y cómo ha sido tejer ambas identidades en un panorama australiano tan competitivo?

Intento no pensar demasiado en lo competitiva que es la industria musical, aunque, créeme, es difícil no hacerlo. La gente a mi alrededor siempre me recuerda que la música hablará por sí sola, y me encuentro teniendo que volver a ese pensamiento una y otra vez, mientras también sigo aprendiendo cada día para poder seguir creciendo y mejorando como artista.

Tampoco pienso conscientemente en incorporar mi herencia a mi música. Simplemente está ahí de forma natural, ya que existo como Marissa y Matahara. Hablé un poco de esto en una entrevista reciente con Kepayang, donde mencioné que tener el indonesio como primera lengua también ha dado mucha forma a mi manera de escribir canciones en inglés. A veces, pienso en una frase o un dicho en indonesio y lo traduzco directamente al inglés. No siempre tiene un sentido perfecto en inglés, pero creo que eso es parte de lo que hace que mi escritura sea interesante y le da su propio carácter, o lo que algunos han llegado a llamar “muy Matahara”. ¡Qué lindo!

Noté que el bajista de The Jungle Giants comentó en tu Instagram hace poco. Ser reconocida por artistas consagrados en la escena australiana debe sentirse increíblemente validador. ¿Cómo ha sido tu experiencia conectando con otros músicos en la industria, y hay un fuerte sentido de comunidad entre los artistas indie en Australia?

Awwww, Andrew. Es genuinamente una de las personas más amables y comprensivas de la industria. Yo solía administrar una tienda de especias en un mercado cerca del distrito financiero de Melbourne, y creo que él vive cerca, así que a menudo pasaba caminando y me saludaba. Nunca dejaba de hacerlo, y simplemente creo que es un encanto. He sido la mayor fan de The Jungle Giants desde la escuela secundaria, ¡así que tener ese tipo de conexión se siente muy especial! Creo que cuando se trata de conectar con otros artistas, especialmente aquellos que están más consolidados en la industria, por lo general ocurre de manera bastante natural. Al menos para mí, nunca he sentido la necesidad de desviarme de mi camino para estar en ciertos lugares buscando conexiones o hacer grandes gestos. Descubro que las personas adecuadas siempre encuentran su camino hacia ti, especialmente con la ayuda de las redes sociales. ¡Y cuando esas conexiones ocurren de forma natural, pueden sentirse tan cálidas, llenas de amor y apoyo!

Mirando en retrospectiva tu EP de 2023, Oscillating In Imaginary Butterflies, ¿qué elementos sonoros o líricos sientes que definían tu identidad en ese entonces, y qué estás intentando hacer diferente ahora?

Desde que empecé a hacer música hace unos seis años, la gente a menudo ha asociado mi sonido con lo que me gusta llamar ruiditos “bleepy bloopy”. ¡Creo que puedes escuchar mucho de eso en el EP! Todavía me encanta ese tipo de sonido, y creo que siempre será parte de mi música, incluso si es solo en su esencia. Tal vez la diferencia ahora es que lo uso menos y a veces lo reemplazo con sonidos más orgánicos.

En canciones como ‘Seen But Ignored’ y ‘Flying Kites’, hay un fuerte sentido de introspección. ¿Cómo marcas la línea entre ser totalmente honesta y vulnerable en tus letras sin sentirte sobreexpuesta?

Aww, me encanta esta pregunta. Esas dos son canciones de Matahara muy infravaloradas. Esto de alguna manera se remonta a mi respuesta a tu primera pregunta, o al menos se relaciona con ella. Creo que subconscientemente, cuando escribo una letra triste pero la entrego de una manera tan ligera y burbujeante, es mi forma de suavizar un poco el peso de las palabras, si es que tiene sentido. Crecí siendo una persona bastante evasiva (¡y estoy tratando de mejorar!), y creo que todavía tengo un poco de eso en mí. Así que mis letras son honestas, pero están empaquetadas en esta entrega ligera y burbujeante que de alguna manera desarma a la gente. Creo que ese contraste hace que la honestidad en las letras sea un poco menos obvia al principio.

El dream pop depende en gran medida de las texturas. Cuando entras al estudio, ¿sueles empezar estructurando la narrativa lírica, o dejas que las capas de sintetizadores y guitarras dicten primero la emoción de la pista?

Por lo general, empiezo con las letras y melodías, que escribo en mi habitación con mi guitarra. Luego, las llevo al estudio y trabajo en ellas con el productor con el que esté colaborando. Tengo una imaginación bastante vívida en lo que respecta a los sonidos, así que normalmente puedo describirle exactamente al productor el tipo de sonido o textura que estoy buscando. Me encanta esa parte del proceso. ¡Sinceramente, es la mejor parte de hacer música!

Hablemos de ‘Caroline’. Las primeras líneas “Caroline ends the night with ‘Door’ / It’s a love song, she said” (Caroline termina la noche con ‘Door’ / Es una canción de amor, dijo) son un hermoso guiño a Caroline Polachek. Dado que ‘Door’ es una canción sobre atravesar un portal hacia lo desconocido de un nuevo sentimiento, ¿sientes que tu canción es tu propio portal? ¿Representa ese momento exacto en el que la «fachada colapsa” y aceptas lo que realmente sientes?

Qué pregunta tan hermosa. ¡Absolutamente, al 100%! Como he mencionado antes, trato de ser honesta conmigo misma y con mi música, así que cada una de mis canciones tiende a ser una representación exacta / honesta de una fase particular de mi vida. Lo mismo ocurre con el arte de cada uno de los sencillos y EPs de Matahara. Son como portales hacia el mundo de Matahara.

Más adelante en la canción, cantas “Riley and Greta on the bus / Just like me and you” (Riley y Greta en el autobús / Justo como tú y yo). Al escribir, ¿te resulta más catártico usar nombres reales y escenarios muy específicos, o prefieres crear personajes para procesar esas emociones?

¡Entre más específico, mejor! Me siento más conectada con ello de esa manera. Por supuesto, la gente puede interpretarlo como quiera, pero también es una especie de “si lo sabes, lo sabes” (if you know, you know). ¡Me encanta!

Más allá del guiño lírico, Polachek es una referencia enorme en el alt-pop, especialmente por cómo usa su voz. ¿Ha influido ella en la forma en que produces tus propias texturas vocales y melodías?

¡Enormemente! No solo su voz, sino también su forma de componer, sus melodías y sus decisiones de producción. Ella es el paquete completo. Obviamente, es una cantante increíblemente talentosa, y puede hacer todos esos asombrosos beltings o giros vocales, a los cuales, en este punto de mi viaje como cantante, aún no he llegado. Así que también me inspiro mucho en la forma en que usa los susurros, el canto hablado y otras técnicas vocales más sutiles. También me encanta jugar con los cortes vocales (vocal chops), como puedes escuchar en el coro de ‘Caroline’ donde hace, “Caroline, line, line, line”. Siento que extraigo parte de ese estilo de producción de artistas como ella y el dúo francés Polo & Pan, solo por nombrar algunos. De todos modos, ella es una gran inspiración para Matahara, ¡como probablemente ya te habrás dado cuenta!

¿Qué sigue para el universo de Matahara? ¿Podemos esperar un álbum de larga duración que expanda las ideas que has sembrado en tus sencillos recientes?

No quiero decir demasiado por ahora, pero he estado trabajando muy duro durante el último par de años. Desearía que las cosas pudieran avanzar un poco más rápido, pero ser una artista independiente y al mismo tiempo tener un trabajo de día hace que sea bastante difícil equilibrar ambas cosas. Sin embargo, dicho esto, creo que por fin estoy en un punto en el que me siento lista, y estoy súper, súper emocionada de compartir mucho más con mis oyentes. Así que manténganse al tanto, ¡jeje! ¡Gracias a la revista Worked por su tiempo! Qué preguntas tan encantadoras.